La calidad de la luz
En seguimiento a un artículo anterior, “Un estudio sobre la visión, la luz y las sombras” , Decidí compartir mis pensamientos y experiencias sobre mi tema más inspirador en fotografía: la luz. Para simplificar, decidí escribir sobre la luz en un contexto estrecho desde la perspectiva y la experiencia de un fotógrafo de paisajes, ya que me atraen las escenas al aire libre. Gran parte del análisis y discusión que sigue es igualmente aplicable a otros géneros de fotografía, como retratos, macro, bodegones y fotografía comercial. En este artículo, cubriré ampliamente lo que significa para mí la calidad de la luz en la fotografía de paisajes, así como una variedad de escenarios en los que el fotógrafo escénico puede usar diferentes propiedades de la luz para crear un efecto determinado. Tenga en cuenta que esta discusión se basa en mis propias observaciones y experiencias personales, que pueden diferir de las de otros fotógrafos.
Nikon D800, Nikkor 24-85mm f/3.5-4.5 G ED VR
Como artistas visuales y fotógrafos, cuando escuchamos o leemos una referencia sobre la "calidad" de la luz, podemos preguntarnos: "¿Qué significa eso exactamente?" Los artistas visuales (pintores, dibujantes, escultores, fotógrafos) pueden hablar extensamente sobre la luz, pero puede ser difícil llegar a un consenso sobre lo que constituye "buena luz" o "mala luz". La respuesta corta, si no nebulosa, a esta pregunta es que la calidad de la luz puede significar cosas diferentes para diferentes fotógrafos y quizás tener un significado diferente en diferentes etapas de su proceso de descubrimiento. La verdad es que puede que no siempre haya una calidad de luz "óptima" que sea aplicable a todas las situaciones o apreciada por todos los fotógrafos.
¿Cuáles son algunas de las cualidades de la luz que buscan los fotógrafos escénicos? ¿Hay un denominador común? Algunos fotógrafos pueden apreciar una escena “cálida”. . .
o una escena “genial”. . .
Algunos fotógrafos pueden preferir trabajar con la llamada luz “dura”. . .
o luz “suave”.
Fundamentalmente, veo la luz como la herramienta física necesaria y el dispositivo estético para traducir la visión artística en una imagen que transmita lo que el artista estaba sintiendo en el momento de abrir la persiana. Muchos fotógrafos de paisajes (incluido yo mismo) pueden describir y jurar por una luz "mágica" que puede ser difícil de expresar con palabras, pero seguramente la reconocen cuando la ven. Una de mis citas favoritas del incomparable Galen Rowell es: “Mi primer pensamiento siempre es de luz ”. La filosofía del Sr. Rowell es el epítome del imperativo técnico y estético del proceso fotográfico. En el videoclip a continuación, desplácese hasta la marca de 1:45 para escuchar al Sr. Rowell hablar con pasión sobre su enfoque de la luz.
En la creación de una fotografía de paisaje, abordo la calidad de la luz teniendo en cuenta dos propiedades interrelacionadas: la direccionalidad y la temperatura del color . ¿Por qué estas dos propiedades? La direccionalidad de la luz determina la cualidad fundamental de las *sombras*, el *contraste* y las *texturas* del paisaje. Las sombras, a su vez, son las que crean profundidad, forma y dimensión en la escena y también pueden conferir un estado de ánimo y emoción provocativos a la fotografía.
Para ayudar a los fotógrafos principiantes a comprender las diversas propiedades de la luz, echemos un vistazo a algunas demostraciones controladas de la direccionalidad de la luz. Considere una hoja simple de papel de copia arrugado. Si variamos la direccionalidad de la luz, ¿influiría esto en la apariencia física y el estado de ánimo de este sujeto? La siguiente foto muestra el papel iluminado únicamente con una lámpara de techo incandescente. La direccionalidad de esta iluminación es más o menos uniforme, pero no del todo. Como puede ver, hay sombras que dan una sensación de forma, dimensión y textura, pero el efecto no es ni física ni emocionalmente convincente. En realidad, se ve algo plano porque las sombras son relativamente planas.
A continuación, ajustemos la iluminación manteniendo encendida la lámpara incandescente superior y colocando una lámpara de inundación fotográfica frente al sujeto, directamente detrás del sujeto y desde ambos lados. Una vez más, la iluminación es más o menos uniforme. Esto es similar a la luz de un cielo nublado, por ejemplo, donde la luz del sol ilumina la escena desde todas las direcciones (es decir, el efecto de caja suave) y las sombras se rellenan. En comparación con la imagen anterior, este sujeto tiene un aspecto físico similar. y apariencia emocional - sin vida y aburrido.
Pero espera . . . ¿Qué pasa si cambiamos la direccionalidad de la luz? Aquí es donde se desarrolla el drama. Apaguemos la lámpara del techo, así como las lámparas de atrás, en fuente, y desde la derecha, dejando solo el papel iluminado desde el lado izquierdo en un ángulo bajo.
Guau . . . que diferencia. Esta luz en particular ha creado una apariencia y una emoción marcadamente diferentes. Ahora que la fuente de luz es unidireccional y atraviesa al sujeto en un ángulo bajo, podemos percibir sombras más largas, más formas y contornos, más texturas y una mayor sensación de profundidad que eran mínimas en los sujetos anteriores con una iluminación más uniforme. Con señales visuales más prominentes de sombras bien definidas que se alternan con reflejos, la mente está más inspirada para interpretar y "ver" caras, montañas, valles, colinas, defectos y pliegues.
¿Qué pasa con otras formas de la direccionalidad de la luz? ¿Puede el artista visual y el fotógrafo crear este tipo de representación dramática sin iluminación lateral? Para averiguarlo, iluminemos el papel únicamente con una lámpara desde atrás en un ángulo bajo ( es decir, retroiluminación):
Muy interesante. . . en comparación con la imagen anterior hecha con iluminación lateral, existen marcadas similitudes y diferencias. Por un lado, las sombras alargadas permanecen, lo que significa que podemos apreciar los mismos atributos físicos (forma, textura, profundidad) así como una emoción dramática. La diferencia es que el “paisaje” mismo ha cambiado debido al cambio en la dirección de las sombras. En lugar de proyectar largas sombras perpendiculares al eje de la lente, las sombras ahora se proyectan hacia la lente. Así, con un nuevo patrón de alternancia de sombras y reflejos, la mente ahora puede interpretar una escena completamente diferente. Esta interpretación tiene caras y montañas "nuevas", si no una identidad diferente. Debido a que las sombras son diferentes, las estructuras que se vieron anteriormente con iluminación lateral pueden ser menos prominentes, es posible que ya no se aprecien, o ser interpretado de manera diferente por el espectador. ¿Conclusión? Dos fuentes de luz diferentes. . . dos conjuntos diferentes de sombras. . . dos estados de ánimo e interpretaciones marcadamente diferentes, todo en virtud de la direccionalidad de la luz.
Bien, ¿qué sucedería si mantenemos la luz unidireccional pero iluminamos al sujeto directamente desde el frente ( es decir, la fuente de luz detrás de la lente)? Con base en los ejemplos anteriores, ¿puedes predecir la direccionalidad y la “calidad” de las sombras? Es decir, ¿qué crees que “verá” la lente con este tipo de luz? ¿Y qué impacto físico y emocional tendría esta luz en la imagen y por tanto en el espectador?
Como era de esperar, en comparación con la iluminación lateral y la retroiluminación, la iluminación frontal ofrece una interpretación marcadamente diferente. Debido a que las sombras ahora se alejan de la lente, están más ocultas, de la misma manera, las sombras se ocultaron en los dos primeros ejemplos cuando se rellenaron con una iluminación más uniforme. Con las sombras ahora más ocultas a la vista, como era de esperar, perdemos gran parte de la profundidad física, las texturas, las formas y el estado de ánimo que destacaban con la iluminación lateral y la retroiluminación. El frente del sujeto ahora parece "más suave" con pérdida de texturas, pliegues y defectos. Comparativamente, este efecto no es más convincente que la "iluminación uniforme" en los dos primeros ejemplos. En esencia, la iluminación frontal es similar a la calidad de la luz que utilizan muchos fotógrafos de retratos, es decir, la iluminación frontal difusa ( es decir,iluminación de mariposa) para disimular arrugas, poros, pliegues y defectos en la piel del rostro. Al ocultar las sombras y, por lo tanto, minimizar la textura, el espectador interpreta una superficie más suave y tersa. Para los fotógrafos de glamour, esta calidad de luz puede ser lo que se desea para el efecto; pero para el fotógrafo de paisajes, registrar estos defectos es *exactamente* lo que deseamos. Queremos obsequiar a nuestra audiencia con texturas seductoras, pliegues, sombras profundas y tal vez ofrecer un estado de ánimo y una historia dramáticos.
Como puede deducir fácilmente de estas simulaciones, las sombras y el contraste son una señal visual esencial para la mente humana en la percepción de la forma y la profundidad en el espacio tridimensional. Sin estas señales visuales, la mente interpretaría una escena plana, lo que puede no ser deseable desde un punto de vista estético. Además, estas demostraciones infieren fuertemente que la calidad de la luz que se presta bien para la fotografía de paisajes es la luz unidireccional de ángulo bajo desde el costado o directamente detrás del paisaje. Por lo tanto, la forma en que el fotógrafo usa la dirección de la luz para crear una fotografía es esencial para crear el impacto físico y emocional general de una imagen. Este hermoso fenómeno explica cómo un fotógrafo con una visión artística dada (o dos fotógrafos diferentes con diferentes experiencias de vida y visiones artísticas) pueden fotografiar el mismo sujeto y obtener imágenes completamente diferentes. En mi humilde opinión, este es el epítome de la fotografía como forma de arte. Realmente*es* todo acerca de la luz; el "último equipo más grande" es irrelevante. . .
Ahora, centremos nuestra atención en ejemplos reales de la calidad de la luz en la fotografía de exteriores.
1) Iluminación lateral
Esta es mi cualidad de iluminación favorita, ya que su unidireccionalidad crea maravillosamente sombras, texturas y formas seductoras, además de impartir tridimensionalidad y estado de ánimo a una escena:
Las palabras realmente no pueden hacerle justicia: un artista visual solo tiene que descubrir y apreciar esta luz por sí mismo. Considere la siguiente escena de paisaje donde la luz solar incidente entra en un ángulo bajo casi perpendicular al eje de la lente.
Elaboré esta composición de tal manera que hubiera luz recorriendo el paisaje creando una interacción de sombras y reflejos en el primer plano inmediato, en el medio y en el fondo. Como puede ver, las sombras en la arena, el follaje y las rocas de arenisca crean una ilusión de profundidad, así como una variedad de texturas interesantes que se extienden de cerca a lejos. En mi humilde opinión, suponiendo que la composición sea sólida, este tipo de despliegue de luz es uno de los aspectos más agradables de la fotografía de paisajes.
En la siguiente foto, tomada durante una caminata fría pero impresionante por las tierras altas de Islandia, la luz entraba en un ángulo bajo casi perpendicular al eje de la lente (¿te suena familiar?). Después de esperar pacientemente a que pasara una tormenta de nieve/aguanieve y que la capa de nubes se levantara suavemente, la calidad de luz más hermosa que jamás había presenciado bañó la montaña. “¡Fue glorioso!” Las sombras y el contraste eran atractivos, al igual que el sentido de la dimensión y las texturas. El estado de ánimo era pacífico, edificante y radiante. . . Al presenciar el desarrollo de la belleza, me inspiré para hacer una fotografía que transmitiera todos estos atributos y emociones.
Hice esta siguiente fotografía después de una tormenta invernal en el este de las montañas de Sierra Nevada de California (más información sobre este caso especial de luz en un artículo futuro). Como puede ver, la luz atraviesa la montaña en un ángulo bajo y perpendicular a la lente. Tenga en cuenta la dirección de las sombras, el contraste general y las texturas gruesas en la nieve y la roca. Una vez más, ¡esta calidad de iluminación es lo que realmente me emociona de la fotografía de paisajes!
Más allá de los paisajes puros, la iluminación lateral puede producir potencialmente los mismos hermosos resultados físicos y estéticos con plantas y flores, como ilustran las siguientes dos imágenes. Cada flor estaba iluminada por la luz del sol que entraba a baja altura en un ángulo de casi 90 grados con respecto a la lente. Las texturas de los pétalos están muy bien aclaradas y, una vez más, la interacción de luces y sombras crea profundidad y un elemento de intriga.
2) retroiluminación
A continuación, consideremos ejemplos de retroiluminación, que también es hábil para revelar texturas y crear formas y dimensiones con atributos adicionales en casos especiales (más sobre esto a continuación).
En la siguiente foto de dunas de arena al amanecer en el Parque Nacional del Valle de la Muerte, la luz barre el paisaje desde atrás en un ángulo bajo, lo que proyecta las sombras hacia la lente. Al igual que con la iluminación lateral, esta calidad de luz resalta mágicamente las texturas de la arena y acentúa bellamente la forma y los contornos en virtud de la interacción de sombras y reflejos.
Además, en términos de crear un estado de ánimo y efecto en un paisaje, la retroiluminación puede hacer su magia de muchas otras maneras. Con el fin de crear un estado de ánimo atractivo, a menudo uso la retroiluminación para aprovechar el efecto de silueta y la translucidez .
3) Silueteado
En la siguiente fotografía tomada en uno de mis paisajes favoritos, la Reserva Natural Estatal Torrey Pines, la silueta de los pinos contra un telón de fondo radiante al atardecer creó un estado de ánimo vibrante y edificante. Cuando abrí el obturador para hacer la exposición, mi objetivo artístico era yuxtaponer una de las raras formas de vida de la naturaleza (el segundo pino más raro del mundo) con colores vibrantes para invitar al espectador a un mundo precioso y mágico. . .
De manera similar, la siguiente foto de una formación de nubes al atardecer evoca los mismos atributos físicos y emociones. La combinación de sombras profundas y reflejos fuertes crea profundidad y emoción, y la luz de fondo que roza la parte inferior de las nubes y la superficie del océano crea texturas atractivas. Mientras estudiaba y me maravillaba con esta impresionante exhibición de luces, sentí como si pudiera extender la mano y tocar las nubes y sentir la luz bañando mis manos. . . En el momento decisivo de abrir el obturador, esta era exactamente la emoción que deseaba transmitir con mi fotografía.
Además, la composición que crea el fotógrafo no necesita ser grandiosa ni exótica para explorar el efecto de silueta. Una composición que enfatiza la simplicidad puede tener un impacto estético igualmente profundo. . .
4) Translucidez
Otro caso especial de retroiluminación implica la transmisión elegante de la luz a través de una variedad de medios. Un ejemplo clásico es el brillo cálido y brillante de la luz del sol a través del follaje en otoño, como ilustra la siguiente foto. A pesar de la textura y la ilusión de profundidad, esta forma de iluminación en sí misma bien puede ser la característica más destacada de tal imagen.
En una escala más pequeña, como en los primeros planos, la translucidez también se puede usar creativamente para hacer que un sujeto prosaico parezca atractivo, como lo ilustra la siguiente fotografía de una flor de pensamiento encantadora después de una lluvia fresca.
Personalmente, mi uso favorito de la translucidez en el proceso creativo implica el glorioso resplandor de la luz del sol a través de las nubes (en particular, cerca de la puesta del sol). Siempre que el fotógrafo manipule hábilmente la exposición, el revelado de la película y el posprocesamiento para controlar las altas luces, el efecto estético puede ser muy agradable.
Además de sólidos y gas/nubes, la translucidez del agua también puede conferir una agradable sorpresa en el estado de ánimo de una escena de paisaje. Considere la siguiente fotografía que hice durante una caminata por el sur de Islandia para fotografiar el "Sol de medianoche". Aquí, en una cascada oscura pero encantadora, el resplandor del sol a través de la neblina de agua tuvo un efecto extraño al acentuar la escena ya gloriosa que se estaba desarrollando.
5) Iluminación frontal
De todas las cualidades de la luz que he explorado, esta es mi cualidad de luz menos preferida, por las razones ilustradas en las simulaciones anteriores. Una vez más, la direccionalidad de la luz (que viene de detrás de la lente) efectivamente *oculta* las sombras de la lente, lo que para un fotógrafo de paisajes no es del todo deseable. Las sombras ocultas tienen el desafortunado efecto de privar de forma, profundidad y texturas a una escena, lo que a su vez da como resultado una imagen plana, física y emocionalmente. Habiendo dicho eso, puedo pensar en tres escenarios donde la iluminación frontal puede usarse potencialmente para crear una fotografía de paisaje convincente. El primer escenario es donde la luz del sol (en particular al amanecer y al atardecer) ilumina una estructura distante (como una montaña),
El segundo escenario sería fotografiar un arco iris, uno de los fenómenos de luz más interesantes (pero relativamente poco comunes) en la naturaleza. Una discusión sobre los arcoíris está mucho más allá del alcance de este artículo, pero me gustaría invitar a nuestros lectores a ver el siguiente videoclip de una entrevista con Galen Rowell (desplácese hasta la marca de 1:32 para escuchar al Sr. Rowell hablar sobre el fenómeno de arcoíris). Además, recomiendo encarecidamente este excelente artículo, "Cómo fotografiar un arcoíris" , escrito por nuestro propio Nasim Mansurov.
El tercer escenario en el que la iluminación frontal puede atraer a un fotógrafo de paisajes sería capturar la(s) sombra(s) proyectada(s) por un objeto que está situado directamente detrás de la cámara (como un árbol) para crear un interés de primer plano en la escena. Personalmente, todavía tengo que sentirme inspirado por este tipo de escenario de iluminación, pero ciertamente es algo que se puede considerar si la composición parece débil o si la posición del fotógrafo en el campo en relación con la luz no se puede cambiar fácilmente.
6) Iluminación uniforme
Como ya habrás experimentado con tus hazañas de fotografía de paisajes, incluso la iluminación (en particular de los cielos nublados) no es tan interesante visual o emocionalmente como la iluminación lateral y la retroiluminación. Debido a la naturaleza difusa de esta iluminación, gran parte de las sombras del paisaje se rellenan, lo que da como resultado un contraste relativamente bajo y una apariencia física y emocional plana, como lo revela la siguiente fotografía. Por estas razones, normalmente evito este tipo de iluminación al fotografiar paisajes, a menos que haya algo estructuralmente inusual o único en el paisaje mismo.
Sin embargo, incluso la iluminación puede ser potencialmente favorable para fotografiar sujetos al aire libre de cerca, en particular árboles, plantas y flores, donde el bajo contraste y las sombras más suaves pueden hacer que el sujeto parezca más favorecedor. Considere la siguiente fotografía de un cactus barril. Aquí, el cielo estaba brillantemente nublado (aproximadamente una intensidad de luz de f/8 a través de "The Sunny 16 Rule" ) y la iluminación tenía un contraste previsiblemente bajo. En realidad, esta era la luz que deseaba para este sujeto, porque las sombras suaves habrían conferido un estado de ánimo más agradable a un sujeto tosco.
Otra ventaja potencial de la iluminación uniforme difusa en el proceso de visualización sería capturar el brillo de los colores en plantas y flores, particularmente bajo la iluminación de cielos nublados brillantes (entre f/5.6 y f/8 de intensidad). Espero que muchos de mis compañeros fotógrafos también hayan descubierto el resplandor de los amarillos, rojos y verdes en las flores bajo cielos nublados, como ilustran las siguientes dos imágenes.
Un tercer escenario en el que incluso la iluminación puede ser ventajosa sería fotografiar cascadas. Muchos fotógrafos escénicos (incluido yo mismo) prefieren una iluminación suave, difusa y de bajo contraste (en oposición a la iluminación directa de la luz solar) para estos sujetos, ya que el intenso resplandor y los reflejos de la luz solar directa sobre el agua pueden no ser estéticamente agradables.
Una excepción notable para evitar la iluminación directa de las cascadas sería la icónica Horsetail Fall en el Parque Nacional Yosemite (también conocida como Fire Fall), donde la iluminación directa de la luz solar en una modesta corriente de agua que cae sobre la cara este de El Capitán a mediados de febrero crea una extraña apariencia de lava derramándose sobre la cara de la montaña.
7) Luz del sol del mediodía
Como es el caso de la iluminación frontal, la calidad de la luz del sol del mediodía la convierte en una de mis opciones de luz menos preferidas en la fotografía de paisajes. El problema con este tipo de iluminación no unidireccional es que las sombras que proyecta son relativamente más cortas, más abruptas, más oscuras y poseen menos detalles de textura que las sombras más largas, suaves y cargadas de detalles de la luz unidireccional. Considere los siguientes dos esquemas que ilustran este problema.
Debido a la alta posición del sol en el cielo al mediodía (particularmente durante los meses de verano en los EE. UU., donde fotografío principalmente), la luz no unidireccional de alta intensidad potencialmente "interfiere" con el tragaluz, que es responsable de iluminar sombras en sombra abierta. En teoría, esta interferencia puede disminuir el rango textural de las sombras, minimizando su detalle. La naturaleza corta de estas sombras también embota la apariencia tridimensional de la escena, haciéndola parecer relativamente plana. Por el contrario, cuando el sol está más bajo en el cielo en los extremos del día ( es decir,amanecer y atardecer), la luz es más unidireccional y menos intensa y, por lo tanto, debería haber (en teoría) menos interferencia entre la luz solar incidente y el tragaluz. Esto se traduce en sombras más largas que potencialmente pueden tener más detalles y textura.
Otra desventaja de la luz del sol del mediodía es que la temperatura del color (más sobre esto a continuación) es más "neutra", lo que significa que es más "blanca" en color, lo que no se presta bien estéticamente para la fotografía de paisajes en color. Por todas estas razones, normalmente evito esta calidad de luz para la fotografía de paisajes. Sin embargo, hay una serie de escenarios en los que esta calidad de luz puede ser deseable para la fotografía escénica. Un escenario sería la fotografía arquitectónica en blanco y negro, en la que el fotógrafo puede utilizar el alto contraste y las sombras oscuras para crear fotografías abstractas , especialmente si se utiliza la filtración de la lente para bloquear la luz azul .. En segundo lugar, para la fotografía de paisajes en color, se puede utilizar la luz del sol del mediodía bajo cielos despejados para capturar los azules, verdes y turquesas vibrantes del agua, como ilustran las dos imágenes siguientes. Esta iluminación responde bien a un filtro polarizador para reducir los reflejos del agua y mejorar la saturación de color del agua.
Y en tercer lugar, la luz de alta intensidad del sol del mediodía sobre un cielo azul claro (intensidad de f/16 a f/22) ha sido una herramienta preciada para el fotógrafo de infrarrojos , ya que es el momento del día en que la luz del sol se enriquece. con radiación infrarroja.
8) La Hora Dorada
“Solo obtienes un amanecer y una puesta de sol por día, y solo tienes tantos días en el planeta. Un buen fotógrafo hace los cálculos y tampoco desperdicia”. – Galeno Rowell.
Ahhh . . esta es quizás una de las cualidades de la luz más conocidas y apreciadas por muchos fotógrafos de paisajes. No se necesita una presentación formal para esta calidad de luz, que es mi herramienta favorita en la fotografía de paisajes por todas las razones ya examinadas anteriormente. Encontrar esta luz es fácil: poco después del amanecer y poco antes del atardecer, aunque la duración de cada “Hora” puede variar según su ubicación en relación con el ecuador de la Tierra. Cerca del ecuador, la Hora Dorada puede durar menos de una hora, y lejos del ecuador puede durar mucho más de una hora. Una vez más, las palabras no pueden hacer justicia a esta cualidad especial de luz. tu *tienes* para ver y experimentar esta luz por ti mismo. Esta calidad de luz es rica en emoción, estética y hermosa calidez. Es de menor intensidad y más difusa en comparación con la luz del sol del mediodía. Por supuesto, la luz Golden Hour cuenta con la unidireccionalidad que es esencial para crear sombras alargadas, revelar texturas e impartir dimensión a una escena. Para obtener más información sobre por qué esta forma especial de luz tiene un color cálido, lo animo a leer sobre el interesante fenómeno físico de la dispersión de Rayleigh . Cerca del horizonte ( es decir , al amanecer y al atardecer), la luz debe viajar una distancia mayor a través de la atmósfera. Debido a la dispersión selectiva de la luz por las moléculas de gas en la atmósfera, las longitudes de onda de luz más cortas (es decir,, luz azul) se “filtran” de manera desproporcionada, dejando una mayor proporción de luz de longitud de onda más larga ( es decir, luz roja); de ahí la apariencia más cálida de la luz al amanecer y al atardecer. Como dijo elegantemente el Sr. Rowell en la cita anterior, esta luz está ahí para tomarla. 🙂
A modo de comparación, y para reforzar la marcada diferencia en la apariencia física y el estado de ánimo de un paisaje entre la iluminación unidireccional y la iluminación uniforme, examine detenidamente la siguiente fotografía de las mismas dunas de arena tomadas minutos antes de que comenzara la "Hora Dorada". Las texturas que se aprecian claramente en la escena iluminada por el sol de arriba brillan por su ausencia en la escena iluminada uniformemente. El contraste, las sombras y los contornos en la escena iluminada por el sol son sorprendentes, mientras que la escena iluminada uniformemente parece plana, ya que solo el tragaluz ilumina la escena y cubre todas las sombras. Un paisaje es cálido, radiante y dinámico; el otro es frío, plano y sin vida. El mismo tema. . . dos calidades diferentes de luz. . . dos fotografías totalmente diferentes. Consejo de visualización: haga clic en cualquiera de estas dos fotos y use las flechas en la parte inferior derecha para alternar entre las dos y apreciar las diferencias.
9) Temperatura de color
Además de la direccionalidad de la luz, la temperatura del color como cualidad de la luz juega un papel destacado en el proceso de visualización en la fotografía en color. Sin duda, muchos fotógrafos de paisajes principiantes ya aprecian y disfrutan cómo la relativa calidez (o frialdad) de una escena confiere potencialmente un estado de ánimo y una emoción especiales a una fotografía. Con suerte, muchas de las fotografías anteriores han ilustrado este efecto. La temperatura de color es una propiedad física interesante de la luz que define la relación entre la temperatura de una fuente de radiación y el color de la luz que emite la fuente. En la fotografía digital en color, la temperatura de color de la luz suele ser sinónimo de un principio denominado balance de blancos.. Para una discusión completa de este tema, recomiendo encarecidamente nuestros artículos publicados anteriormente, "¿Qué es el balance de blancos?" y “Comprender el balance de blancos: una guía para principiantes” , escritos por nuestros propios Nasim Mansurov y John Bosley, respectivamente.
La temperatura de color de la luz solar cambia durante el día, siendo baja en temperatura ( es decir, visualmente cálida) al amanecer, aumentando gradualmente hacia el mediodía ( es decir, volviéndose visualmente más fría o más neutral), luego disminuyendo gradualmente hacia la puesta del sol ( es decir, volviéndose visualmente más cálido), luego escalando precipitadamente al anochecer.
En la fotografía digital en color, no existe un balance de blancos nativo que se utilice para realizar una exposición; esta propiedad puede ser alterada. En la fotografía con película en color, el balance de blancos de una película determinada es fijo ( es decir , balance de luz diurna versus balance de tungsteno), pero esto también puede modificarse con fines creativos. No hace falta decir que la forma más importante para que un fotógrafo controle el balance de blancos es elegir la iluminación adecuada. Sin embargo, si la luz disponible no es ideal para cumplir con el proceso de visualización del fotógrafo, entonces se puede manipular el balance de blancos para lograr el efecto deseado. Por ejemplo, los fotógrafos de películas en color pueden alterar fácilmente (y directamente) la temperatura de color de la luz antesentra en la lente con el uso de filtros de lente roscados que se calientan (o enfrían). Los fotógrafos digitales en color pueden alterar fácilmente la temperatura del color a través de los menús de la computadora dentro de la cámara digital. El artículo de Nasim brinda una mirada detallada a cómo configurar el balance de blancos en una cámara digital. Se pueden encontrar detalles adicionales sobre el uso de filtros de calentamiento en estos artículos sobre visualización y fotografía de película .
Cuándo y cuánto debe alterar un fotógrafo la temperatura de color de la luz es una decisión altamente individualizada que se basa en la visión artística del fotógrafo y los objetivos para crear la fotografía. No hay bien o mal . . . Para mis fotografías de paisajes y paisajes, prefiero una interpretación cálida. En muchas de las fotografías de películas en color anteriores, me basé en filtros cálidos como el 81A, 81C o 85C para bajar la temperatura del color ( es decir , filtrar la luz azul fría) para crear un ambiente cálido y edificante. Alternativamente, otros fotógrafos de películas en color pueden emplear un filtro de enfriamiento (como la serie de filtros 80) para elevar la temperatura del color (es decir,, filtre la luz naranja cálida) para crear una interpretación genial. En varias de las fotografías digitales en color anteriores, preconfiguré el menú de la cámara digital para registrar la exposición con un balance de blancos cálido, como "5600 Kelvin" o "Nublado". Por otro lado, para crear una interpretación más fresca con una cámara digital (un ejemplo clásico serían las escenas de invierno), normalmente preestablecería un balance de blancos seleccionando una temperatura de color específica en grados Kelvin. Por ejemplo, en la tercera fotografía de este artículo del majestuoso Jökulsárlón, Islandia, ingresé manualmente una temperatura de color de 4800 grados Kelvin para enfatizar la frialdad del clima subártico.
10) Conclusiones
El punto para llevar a casa de este artículo es que la luz es la herramienta más instrumental que tiene el fotógrafo para traducir la visión artística en una fotografía. La calidad de la luz se puede describir de diferentes maneras y no siempre encaja en categorías claramente definidas, y ciertamente hay superposición en las descripciones. Independientemente de cómo se defina esta cualidad, ciertamente puede tener diferentes significados para diferentes fotógrafos que tienen diferentes experiencias de vida y objetivos, como era de esperar.
La direccionalidad de la luz ejerce una poderosa influencia sobre cómo un fotógrafo elabora la composición y realiza la exposición. La direccionalidad de la luz y, por lo tanto, la calidad de las sombras, literalmente da forma a cómo se visualiza la imagen en el ojo de la mente y se traduce en una imagen física y, en última instancia, determina la emoción que el fotógrafo desea transmitir. No existe una calidad de luz ideal para todos los fotógrafos en todos los escenarios. Todo depende de lo que el fotógrafo quiera construir y transmitir.
La temperatura de color de la luz y su relativa calidez (o frialdad) se pueden buscar y/o manipular para lograr el efecto deseado. De manera análoga a la direccionalidad de la luz, la forma en que se visualiza, elabora y manipula esta propiedad se encuentra en el corazón del proceso creativo y de visualización.
En mi humilde opinión, en lugar de gastar un tiempo precioso y energía emocional lidiando con la adquisición de equipos y actualizándolos al "mejor equipo más reciente", las hazañas de un fotógrafo se beneficiarían mucho mejor aprendiendo y explorando la luz misma. Usa cualquier equipo que ya tengas para explorar tu visión artística, canalizar tu creatividad y perfeccionar tu conjunto de habilidades. Mi mejor recomendación: explorar la luz. . . buscar la luz . . . ¡y déjate inspirar por él! Como ejercicio, deje su cámara y lente en casa y salga y estudie la iluminación y su sujeto. Intente salir en diferentes momentos del día para examinar la "calidad" de las diversas propiedades de la luz: la direccionalidad, las sombras, la dimensión de su sujeto, la temperatura del color y descubra por sí mismo cómo todos estos atributos influyen en la estructura. y el estado de ánimo de su escena. Toma buenas notas de campo. Empaque un bloc de notas, un bolígrafo, tal vez un par de binoculares y algunas herramientas ( p. ej ., un filtro polarizador, un filtro de calentamiento, una tarjeta de composición) y estudia cómo evolucionan las luces y las sombras para que cuando llegue el momento decisivo de abrir tu obturador, estés al mando para capturar lo que has visualizado para tu fotografía. Al final, esto te hará un fotógrafo más feliz y (con suerte) más hábil y consumado. ¿Entonces, Qué esperas? La luz está ahí fuera esperándote .
Estén atentos a los próximos artículos de seguimiento sobre " La calidad de la luz ", incluidos los casos especiales de la "segunda puesta de sol", la niebla y las tormentas, así como un ensayo , "¿Importa realmente el último equipo más grande ?" , donde examinaré cómo las herramientas fotográficas más antiguas y clásicas * todavía* se utilizan para crear fotografías brillantes y obras de arte, así como discutir si las "actualizaciones" perpetuas del equipo tienen algún impacto en la calidad general y el mérito de las fotografías. .
Referencias
- Luz de montaña: en busca del paisaje dinámico , Galen Rowell.
- El juego interior de la fotografía al aire libre de Galen Rowell, Galen Rowell.
- Luz para artistas visuales , Richard Yot.
Todas estas fotografías están protegidas por derechos de autor. Todos los derechos reservados, Rick Keller © 2016. No puede copiar , descargar, guardar o reproducir estas imágenes sin el consentimiento expreso por escrito de Rick Keller.