Los elementos de la fotografía

Estaba consumido por los aspectos técnicos de la fotografía durante los primeros días de mi carrera en fotografía. Obtener una imagen nítida era todo lo que tenía en mente. “¿Qué velocidad de obturación debo usar para capturar pájaros en vuelo? ¿Qué ISO me dará imágenes con menos ruido? ¿Qué apertura me dará un fondo cremoso con un sujeto nítido? ¿Cuáles son los ajustes de enfoque automático recomendados?”. Estas preguntas cliché eran las únicas que pasaban por mi mente la mayor parte del tiempo.

Poco sabía entonces que el arte de la fotografía era mucho más que sujetos nítidos y fondos cremosos. No quiero decir que la nitidez sea insignificante. Obviamente, nadie echaría un segundo vistazo a una imagen borrosa. Pero la buena fotografía va mucho más allá de la mera nitidez. En este artículo titulado “ Elementos de la fotografía”, discutiré los cuatro elementos que distinguirían una buena fotografía de un clic casual.

Luz y sombra

La luz es obviamente el elemento más importante en cualquier fotografía debido al hecho básico de que la fotografía en sí trata de registrar la luz. Como principiante, a menudo me preguntaba por qué mi imagen nítida no es tan llamativa como supuse que debería ser. Solo más tarde me di cuenta de que incluso las imágenes más nítidas cuando se toman con poca luz terminan convirtiéndose en imágenes mediocres. El ojo humano registra solo las frecuencias de la luz reflejada a su alrededor, independientemente del sujeto que se esté tratando de capturar.

La imagen de arriba fue fotografiada alrededor de las 9 AM, durante el mes de septiembre. Si hubiera fotografiado la misma imagen bajo una luz intensa (ya sea al mediodía o durante los meses de verano), la imagen no habría tenido el mismo impacto visual.

La calidad de la luz que se refleja en el sujeto es casi tan importante como el sujeto mismo. Los detalles de textura y el contraste son directamente proporcionales a la calidad de la luz que ilumina un sujeto. Para cualquier tema bajo el sol, cada hora produciría una fotografía diferente. Esta es una de las razones por las que algunos fotógrafos son capaces de capturar una imagen original impresionante de los lugares más golpeados. La luz suave acentúa las luces y las sombras, contribuyendo así al estado de ánimo general de la imagen.

Oscuridad

Si la luz hace una imagen, las sombras la realzan. Las sombras empujan las luces emergentes, lo que finalmente genera profundidad en una imagen. En la imagen de arriba, son las nubes oscuras y los reflejos los que dan profundidad a los árboles.

La mayoría de las veces, las sombras se confunden con la subexposición . Una imagen con muchas sombras puede no ser necesariamente una imagen aburrida. Cuando se usan correctamente, las sombras se suman a la sensación de una imagen, siempre que los reflejos estén en su lugar. Algunos de nosotros a menudo cometemos el error de tratar de extraer detalles de casi todos los píxeles. Debe entenderse que solo estamos comprometiendo el contraste general de una imagen al hacer que las sombras sean más brillantes. El equilibrio entre luces y sombras es lo que da vida a una imagen.

Escenas retroiluminadas

La fuente de iluminación (el Sol) estaba detrás de mí en todas las imágenes de arriba. ¿Significa eso que disparar contra el sol siempre produce malas imágenes? La respuesta es NO. Las imágenes retroiluminadas resaltan un estado de ánimo diferente. De hecho, a veces las tomas a contraluz acaban siendo más animadas que las que tienen el sol detrás del fotógrafo. Es posible que las imágenes tomadas contra el sol no produzcan el tipo de contraste que se ve en las imágenes de arriba. Sin embargo, resaltan tonos cálidos relajantes en la imagen general. Aún así, hay que tener cuidado al tratar con sujetos a contraluz, ya que son más complicados.

Las escenas retroiluminadas arrojan una luz fuerte antes en comparación con la luz rebotada directamente. Como resultado, la ventana para tomar imágenes a contraluz se vuelve más estrecha. Fotografiar a contraluz nos coloca inherentemente entre luces y sombras extremas. Se debe tener cuidado de no apagar los reflejos. En la mayoría de los casos, es mejor evitar la fuente de luz en el marco a menos que se desee deliberadamente.

Factores que afectan la calidad de la luz

A veces, tenemos una luz increíble en la hora menos esperada del día. Por ejemplo, la imagen de abajo se tomó alrededor de las 12 del mediodía. Muchos de nosotros no sacaríamos nuestra cámara durante el mediodía, ya que todos somos conscientes de que la luz del mediodía arroja luces y sombras duras. Sin embargo, si desea que los tonos azules dominen su marco, el mediodía es prácticamente el mejor momento.

La luz del sol tiene que atravesar distancias sustancialmente más largas a través de la atmósfera terrestre durante las primeras horas del día. La mayor distancia dispersa la mayoría de las frecuencias azules, dejando atrás los tonos más cálidos.

Sin embargo, la buena luz durante el mediodía es poco común. La imagen de arriba se tomó a una altitud de aproximadamente 15,000 pies. La luz tiende a volverse más suave y sin neblina de calor cuando aumenta la altitud. La luz también tiende a ser más dura alrededor del ecuador y progresivamente se vuelve más suave a medida que nos acercamos a los polos.

Además de la altitud, como se puede notar en la imagen de arriba, yo estaba parado a una altura mucho más alta que el lago. Si obtenemos un ángulo obtuso, mientras conectamos la fuente de luz, la cámara y el sujeto, obtenemos luces y sombras suaves. Uno debe preocuparse por las luces y sombras indeseables y duras cuando el ángulo es agudo o de unos 90 grados.

Para obtener más referencias sobre luces y sombras, hay un artículo detallado titulado Luz y sombras, de Rick Keller aquí en Photography Life.

Color y Tonalidad

El color es otra entidad predominante que establece el estado de ánimo de una fotografía. Los colores cálidos como el rojo, el naranja y el amarillo pueden provocar una emoción feliz, mientras que los tonos azules provocan una sensación fría o melancólica. En la mayoría de los casos, los colores actúan como un factor definitorio de la propia imagen.

Echa un vistazo a la imagen de abajo. Tiene la montaña saturada de tonos dorados sobre un fondo azul y un blanco neutro (luna) en el medio. Al igual que la luminosidad, los colores también aportan contraste a una imagen. Como sabemos, la mayor parte de la luz que vemos en formato digital está configurada en RGB (rojo, verde y azul). Sus contrapartes son CMY (Cian, Magenta y Amarillo), respectivamente. Si la misma imagen se hubiera colocado sobre un fondo rojo, no habría tenido el contraste de color que tiene esta.

Tonos

Algunos de nosotros consideramos que todas las imágenes monocromáticas son en blanco y negro. Todas las fotografías en blanco y negro son monocromáticas, pero no todas las monocromáticas son imágenes en blanco y negro. Echa un vistazo a la imagen de abajo. A diferencia de la anterior, esta no muestra un contraste de color definitivo, sino que se compone de varios tonos de azul, lo que la convierte en una imagen monocromática.

En las dos imágenes de arriba, pudimos ver claramente que el azul se usa para resaltar dos emociones completamente diferentes. Tomemos otro escenario. El dardo oriental es un ave de color bastante opaco excepto por el pico amarillo. Es el fondo verde lo que hace que el sujeto se destaque. El contraste de color o la falta de él se puede utilizar de formas casi infinitas para dar una sensación específica a una fotografía.

Como se ve en la imagen de arriba, el mismo sujeto con un bokeh y una composición casi similares se siente totalmente diferente cuando solo se cambia el color de fondo. La única diferencia importante entre las dos imágenes es que la de la izquierda tiene un color complementario como fondo, mientras que la de la derecha tiene un fondo con tonos similares a los del sujeto.

Composición y Dirección

Enmarcado

Desde una perspectiva más amplia, casi todo en una fotografía se reduce a la composición. El uso de la luz y el color a nuestro favor se hace predominantemente a través de la composición. La mayoría de nosotros conocemos todas las pautas, como la regla de los tercios , espirales, líneas principales, etc. Aquí en Photography Life, tenemos toneladas de recursos sobre todas las pautas.

Muchos de nosotros usamos la regla de los tercios casi a ciegas, ya que viene integrada en las vistas en vivo de la cámara más moderna. Simplemente no es suficiente conocer las pautas y técnicas mencionadas anteriormente. Siempre es importante elegir el correcto en el contexto correcto al tomar una foto.

Echar un vistazo a la imagen de arriba. Contraste y profundidad es lo que quería transmitir en esta fotografía. Si hubiera tratado de encajar esta imagen con la regla de los tercios, hubiera terminado empujando el valle hacia uno de los lados. Habría afectado negativamente el sentido del equilibrio en la fotografía.

Comprender la escena es más importante que tratar de encajarla en una de las reglas. Una vez que tenga claro lo que desea transmitir, seleccionar la regla que mejor se adapte a sus deseos no será una molestia. Pero sin una idea clara de lo que desea representar, las pautas como la regla de los tercios no nos ayudarán de la forma en que pensamos que lo harían.

Dirección

La fotografía se trata de encontrar el área rectangular más hermosa en un caos sin fin. Qué incluir y qué no en el marco hace o deshace una imagen. Comparemos las dos imágenes a continuación. El primero es un reflejo perfecto sin nada más en el marco. Este último tiene guijarros en primer plano y estrellas en el fondo para complementar el reflejo en el centro de la imagen. El primero tiene que ver con el equilibrio geométrico con todo el marco dividido en casi dos mitades verticales idénticas, mientras que el segundo no lo es. Puede caer en perspectivas individuales sobre cuál es mejor, pero la conclusión es que, aunque ambas imágenes parecen ser similares, tienen dos puntos de vista diferentes para transmitir.

En la primera imagen, el ojo del espectador se dirige primero al centro, que luego se dirige hacia el exterior. Por otro lado, en la segunda imagen a continuación, el ojo se mueve hacia el cuadro de abajo hacia arriba. Así es como una composición dirige al espectador por el encuadre.

La idea básica aquí es mantener la atención del espectador tanto como sea posible en el cuadro. Como fotógrafos, podemos optar por guiar la atención del espectador alrededor del marco o hacer que se adhiera a uno o varios puntos de interés dentro del marco. Pautas como la regla de los tercios juegan un papel importante para captar la atención del espectador. Pero tales pautas nunca pueden usarse como un enfoque infalible a ciegas para todas las composiciones. Los píxeles borrosos alrededor de la intersección de tercios pueden hacer que el espectador pierda interés fácilmente. Se puede anular de manera eficiente si hay algo que lo domina en la imagen.

Sujeto y espacio negativo

La mayoría de nosotros estamos tan centrados en las imágenes que llenan el marco, especialmente con la fotografía de vida silvestre. De hecho, el alcance es la razón principal por la que la mayoría de los fotógrafos de vida silvestre incluso piensan en lentes de más de 500 mm. Es obvio inclinarse por obtener la mayor cantidad de datos posible sobre el tema. Los detalles texturales llamarán la atención de cualquiera. Pero cuánto tiempo permanece la atención del espectador dentro de la imagen depende más de la capacidad narrativa de la imagen.

La imagen de arriba de un dólar negro es un recorte más ajustado de la de abajo. La imagen de arriba simplemente habla de una gacela saltando, mientras que la de abajo transmite una historia más detallada de qué tan alto puede saltar un ciervo negro. Con las DSLR modernas y las cámaras sin espejo que superan los 50 MP de datos, es posible extraer detalles como nunca antes. A pesar de que una imagen nítida con toneladas de detalles puede hacer que los ojos del espectador se destapen, es la capacidad narrativa de la imagen lo que mantiene la atención del espectador enganchada en la imagen.

En la mayoría de los casos, el espacio negativo es casi tan importante como el propio sujeto. Transmite la inmensidad de la escena. Una imagen del sujeto en el marco con un espacio negativo inadecuado a menudo resulta aburrida para el espectador. Por ejemplo, es una práctica general agregar más espacio negativo en la línea de visión del sujeto.

Existe una noción general de que el espacio negativo se vuelve prominente solo en retratos y fotografía de vida silvestre. En realidad, la prominencia del espacio negativo no se limita a la vida silvestre y los retratos. Tome otro ejemplo de dos cultivos diferentes de la misma imagen a continuación.

Conclusión

En este artículo, he precisado los elementos básicos de los aspectos artísticos de la fotografía que desearía saber como principiante. Una foto técnicamente sólida podría no terminar siendo una gran fotografía si carece de elementos artísticos. El alcance de este artículo es dar una introducción a los conceptos básicos de los cuatro elementos de la fotografía: luz, color, composición y sujeto. Si tiene alguna pregunta o si cree que me he perdido algo, hágamelo saber en la sección de comentarios a continuación. Intentaré actualizar el artículo o incluirlo en futuros artículos.