Visualización y Fotografía de Cine

Como continuación de mis ensayos anteriores sobre visualización , en este artículo compartiré fotografías seleccionadas realizadas en película con una descripción detallada del proceso de pensamiento, la elección de las herramientas y las consideraciones técnicas involucradas. He elegido dos fotografías completamente diferentes (ambas de paisajes) para discutir. Espero que estas fotos con la narración que las acompaña resulten interesantes y útiles para los fotógrafos de cine principiantes y tal vez guíen a los fotógrafos más experimentados en técnicas y enfoques avanzados. Es de destacar que los colaboradores de Photography Life, John Bosley , Laura Murray y Vaibhav Tripathi , han escrito previamente excelentes ensayos sobre fotografía cinematográfica que también pueden ser de interés.

En tres temas clave (escaneo de película, la cámara de visualización, el sistema de zonas) durante la discusión, me desviaré brevemente para proporcionar información adicional, ya que creo que ayudará al lector a comprender los conceptos y procesos técnicos. Una discusión completa de estos conceptos está más allá del alcance de este artículo, pero me he esforzado por proporcionar referencias en puntos estratégicos que deberían proporcionar un tratamiento más completo. Aunque algunos de los principios y herramientas aquí son aplicables únicamente al fotógrafo de película, el proceso subyacente de visualización se aplica igualmente a los fotógrafos de formatos analógicos y digitales. Debo enfatizar que la construcción de cada fotografía a continuación se basó en el proceso de visualización y la intersección de la luz ., visión artística y habilidad.

Después de mis humildes comienzos en el aprendizaje del proceso de filmación y visualización hace casi cinco años, actualmente uso una amplia variedad de formatos y películas. En particular, uso formatos pequeños, medianos y grandes con película tanto en color como en blanco y negro. Yo no discrimino. Adapto mi elección de herramientas al objetivo y eso me permitirá tomar el mando y el control de la situación en cuestión. Por ejemplo, uso 35 mm para personas y objetos en movimiento, formato grande para objetos estáticos (fotografías, paisajes, retratos) y calidad de imagen técnica alta, y formato medio como un compromiso práctico entre el peso a granel, la calidad de imagen y frente a la rápida luz cambiante donde la velocidad del flujo de trabajo es esencial. Aunque las opciones de emulsiones de película han disminuido significativamente en los últimos 10 años, todavía hay una plétora de excelentes existencias de películas profesionales y de consumo entre las que elegir. Este año, en base a consideraciones estéticas, de proceso y técnicas, mis herramientas preferidas se han convertido en películas en blanco y negro de gran formato en los formatos 4 x 5” y 8 x 10” y laver la cámara , aunque todavía disfruto inmensamente de la película en rollo y la película en color. El mérito de estas elecciones se manifestará en las descripciones a continuación y en la segunda página de este artículo.

Entonces, comencemos con este primer ejemplo: un paisaje. Hice la siguiente fotografía el verano pasado durante un viaje de senderismo a la selva tropical de Hoh en el Parque Nacional Olympic.en el estado de Washington. Para aquellos que no están familiarizados con esta área, el Parque Nacional Olympic y sus hermosas selvas tropicales son uno de los tesoros escondidos para explorar en los Estados Unidos. Es una bonanza para caminatas, campamentos, fotografía de vida silvestre y fotografía de paisajes. Esta fotografía representa uno de los sitios más clásicos y hermosos dentro de Hoh. Elegí esta fotografía por el estado de ánimo visual que evoca, la iluminación interesante y el enfoque desafiante de la exposición. Esta fue en realidad mi primera visita a este parque. Durante mi investigación de este parque, escuché y leí todas las críticas positivas de otros excursionistas y fotógrafos. Había visto las fotografías en revistas y en Internet. Pero, incluso esos relatos no pudieron hacer justicia a la sorprendente belleza y el estado de ánimo prístino que presencié con mis propios ojos.

El día antes de emprender esta modesta caminata, había llovido. Durante un descanso en el clima a media mañana, puse un pie en los senderos. Aparte de los molestos mosquitos, nunca me había sentido más en paz con la naturaleza. El estado de ánimo era alentador, el aire estaba limpio y las vistas fascinantes. Caminar a través de esta selva tropical me hizo sentir como si estuviera en medio de la Tierra Media. Hermoso, pero surrealista... A última hora de la mañana, la luz del sol comenzaba a penetrar, y cuando me topé con este giro en el sendero, me quedé atónito en el sitio de los arces peludos cargados de musgo y los helechos circundantes. Estaba tan desconcertado por esta vista que me detuve en seco, dejé caer todo mi equipo y me senté para admirar este hermoso sitio. ¡Después de una lluvia fresca, la luz de fondo contrastante hizo que los greens *pop*!

Tuve que trabajar rápido, porque el sol pronto crearía un contraste excesivo (e incontrolable). Para esta escena, instintivamente supe qué película capturar la esencia y los atributos físicos en juego: Fujichrome Velvia 50 . También conocida como película de transparencia o película de inversión de color, Velvia 50 ha sido una selección legendaria para los fotógrafos de paisajes durante más de 25 años. Esta película de diapositivas es un placer de usar porque puede crear imágenes vívidas, contrastadas, saturadas, nítidas y altamente tridimensionales. Las debilidades de esta película son que la latitud de exposición y el rango dinámico son estrechos en comparación con la película impresa, lo que hace que sea técnicamente difícil de manipular con iluminación difícil. Sin embargo, cuando el fotógrafo tiene el mando y el control de la luz y su técnica, Velvia 50 entrega los productos.

Mis otras opciones de herramientas para esta toma fueron mi cámara de formato medio, la Mamiya 7 II y una lente gran angular, la Mamiya 43 mm f/4.5 L. En el formato de 6 x 7 cm, la distancia focal de 43 mm proporciona un ángulo de visión que es similar a la que se ve con una lente de 21 mm en el formato de 35 mm. Debido a su peso ligero, tamaño relativamente pequeño, pocas campanas y silbatos y una excelente calidad de imagen, esta cámara se ha convertido en mi cámara favorita para hacer senderismo a lo largo de los años. Este sistema es tan bueno que incluso rivaliza con la calidad de la película de 4 x 5”. Nunca me ha defraudado.

Mi objetivo con esta exposición era capturar la quintaesencia de la intersección de la luz, la tierra y los colores vivos. Después de encuadrar la escena con mi tarjeta de composición , configuré la composición a través del visor externo. Establecí la distancia hiperfocal en 7 pies y detuve la apertura en f/16. Para la filtración, utilicé un filtro polarizador para eliminar parte del resplandor de las gotas de lluvia en el follaje. Y para ajustar el balance de blancos, usé un filtro de calentamiento 81A .

En este escenario, el fundamento del filtro de calentamiento es doble. En primer lugar, se puede utilizar como una herramienta creativa para ajustar la temperatura de color de la iluminación ambiental para ajustar el balance de color de la transparencia. En segundo lugar, según la experiencia con esta película, Velvia 50 tiende a ser una película "fría", lo que significa que, aunque es una película con luz diurna equilibrada, tiende a dar una interpretación "más fría" o más azul a la escena, especialmente cuando se usa en áreas muy sombreadas como en esta escena. El balance de blancos en la fotografía cinematográfica es un tema muy interesante que merece su propia discusión en otro artículo. En general, las sombras se iluminan predominantemente con luz azul, especialmente de la luz del cielo en sombra abierta. Si el fotógrafo no toma medidas para filtrar este azul excesivo, entonces la escena resultante tiene el potencial de volverse fría. Por otro lado, si el fotógrafo desea un estado de ánimo fresco, como en una escena de invierno, por ejemplo, no se necesita corrección. Comparativamente, el filtro 81A es un filtro de calentamiento de baja resistencia, seguido en fuerza creciente por las series 81B, 81C y 85.

Para determinar la exposición adecuada tanto para diapositivas como para películas impresas, practico una versión modificada del Sistema de zonas, que fue iniciado por Ansel Adams y Fred Archer en 1939-1940. Una discusión de este concepto está mucho más allá del alcance de este artículo, pero esencialmente el Sistema de zonas es un enfoque sistemático para determinar la exposición y el revelado adecuados de la película para una escena determinada. Se basa en los valores de luminancia de una escena que se clasifican en zonas estandarizadas de exposición de "cero" a "diez", donde el negro puro representa la Zona 0, el blanco puro representa la Zona X, varios grados de detalle de sombras y tonalidad de la Zona I a IV, tonos medios en la Zona V, y diversos grados de detalle y tonalidad de realce de la Zona VI a la IX. En la práctica, las Zonas II a VIII son las más útiles, ya que representan el rango de texturas que vemos en nuestros sujetos. Para aquellos interesados, recomiendo leer el libro de Fred Picker, “El Taller Zona VI ”, que proporciona un tratamiento y aplicación simplificada del Sistema Zonal. Para el análisis técnico puro y la descripción original, el libro emblemático de Ansel Adams, " El negativo: la serie fotográfica 2 de Ansel Adams " es una lectura obligada.

Con respecto a la estrategia de exposición para esta escena, en marcado contraste con la película impresa, el imperativo en la fotografía con película de diapositivas es exponer los aspectos más destacados. Debido a la estrecha latitud de exposición de la película de diapositivas, si los reflejos están sobreexpuestos, ese detalle se pierde esencialmente de forma permanente. Por supuesto, hay excepciones a esta estrategia, en particular si hay luces débiles en la escena o si el detalle de las luces no es de interés para el fotógrafo. Para esta escena, deseaba conservar la mayor cantidad posible de detalles destacados en el follaje retroiluminado. Con este fin, medí los reflejos en el follaje en el centro izquierdo del encuadre y coloqué esos valores altos en la Zona VII y dejé que todas las demás Zonas de exposición encajaran en su lugar. A priori,

Un principio *crítico* en el que un fotógrafo debe tener el control completo para configurar e interpretar correctamente un medidor de luz puntual es que *cualquier* medidor de luz (ya sea dentro de la cámara o un medidor de mano externo) automáticamente producirá un valor de exposiciónque cae en la Zona V (tonos medios), independientemente de si la escena está muy iluminada o poco iluminada. Esto es para lo que está diseñado un medidor de luz por defecto. Es responsabilidad del fotógrafo *anular* esa lectura del medidor para exponer adecuadamente la Zona de interés. Esto no se puede enfatizar lo suficiente: un medidor de luz ve una cosa, y solo una cosa, y esa es la Zona V, o el medio de la escala de la Zona. Aquí es donde la habilidad del fotógrafo es primordial, especialmente cuando se utiliza película de diapositivas, que no perdona los errores de exposición. Por otro lado, si la Zona de exposición de interés cae en la Zona V, entonces, por supuesto, el fotógrafo no necesitaría anular el medidor.

Hay muchas formas en las que el fotógrafo puede anular el medidor, dependiendo de si está usando un medidor de mano o el medidor de la cámara y de las características de los diales individuales. Para mi modelo de cámara en particular, solo puedo ajustar la compensación de exposición de -2 a +2 en incrementos de un tercio de parada, lo que no deja mucho margen para tener en cuenta múltiples factores de filtro y compensación de exposición. Hay trucos fáciles para resolver este problema. Si tengo múltiples factores de filtro, normalmente ingreso esos factores en el dial de velocidad de la película, lo que efectivamente "engaña" al medidor de la cámara para que exponga a una velocidad de película "más lenta". Para la compensación de exposición, ingresaré esos valores en el dial de compensación de exposición. Alternativamente, uno puede mezclar y combinar estos ajustes. Es muy simple.

Entonces, volviendo a esta exposición, dado que deseaba colocar el follaje brillantemente iluminado en la Zona VII, marqué una compensación de exposición de +2 en el dial de compensación de exposición para anular deliberadamente el medidor, que automáticamente querrá reducir la exposición a la Zona V. Tanto para la velocidad nominal de la película (índice de exposición 40) como para los factores de filtro para el polarizador (+1⅔ de parada) y el filtro 81A (+⅓ de parada), ingresé esos valores en el dial ISO disminuyendo la velocidad del cuadro de ISO 50 hacia abajo para tener en cuenta estos factores. Finalmente, utilicé el modo de prioridad de apertura y solicité un revelado normal del laboratorio.

Dado que todavía no estoy capacitado para revelar mi propia película (ni tengo un cuarto oscuro ni una ampliadora óptica), tengo mi película desarrollada profesionalmente en Northcoast Photographic Services en Carlsbad, CA, que proporciona un excelente revelado, escaneo, impresión y retoque. servicios. Hacen un excelente trabajo y atienden a clientes de todo el mundo. Tengo una gran relación de trabajo con mi técnico de cine, Scott, con quien *siempre* puedo confiar para hacer los ajustes apropiados en el desarrollo de la película cuando se le solicite. Los recomiendo mucho. ¡Gracias, Bonnie y Scott!

Para la visualización web, escaneo personalmente todos mis 120 negativos, diapositivas y hojas de película con el escáner plano Epson V850 Pro . Escanear es relativamente fácil, aunque se necesita algo de práctica para aprender y ajustar la configuración. Un excelente recurso que recomiendo para el escaneo de películas es el tutorial de Kenneth Lee en su página de escaneo. El Sr. Lee es un artista brillante e inspirador, un experto fotógrafo de gran formato, un caballero y muy dispuesto a ayudar. Por favor, consulte su sitio web , recursos educativos y galería. ¡Gracias, Ken!

El escáner Epson proporciona imágenes de alta calidad con una resolución óptica de 6400 ppp, una resolución de escaneo de 6400 x 9600 ppp y resoluciones de salida variables de hasta 12 800 ppp, aunque la mejor salida es probablemente a 2400 ppp (este punto ha sido el tema de debate con modelos anteriores). Para mis negativos de 8 x 10, uso 2400 ppp; para mis negativos 4×5, uso 3200 dpi; y para mis negativos de 6 x 7 cm y 6 x 4,5 cm, uso 4800 dpi. Cabe destacar que los escáneres de superficie plana probablemente no sean los mejores para escanear películas de 35 mm. Siempre tengo mi película de 35 mm escaneada en Northcoast Photographic Services en el momento del desarrollo, ya que tienen un escáner de película de 35 mm dedicado.

Una vez que se completa el escaneo de Epson, guardo el archivo como un formato TIFF sin pérdidas. A partir de ahí, se puede importar el archivo al programa de software de posprocesamiento de su elección. En esta etapa, aplico un procesamiento posterior mínimo, a veces ninguno. La razón es que los "ajustes" convencionales que se usan comúnmente en el posprocesamiento digital moderno son "destructivos" y tienen el potencial de degradar la imagen. Por lo tanto, casi cualquier manipulación realizada en el archivo TIFF escaneado tiene el potencial de hacer que la imagen se vea menos como una película y más como digital, lo cual es altamente indeseable. De vez en cuando, realizo un ligero ajuste de contraste o resaltado en Photoshop, a veces "punto" la imagen para eliminar las manchas de polvo visibles (que es un problema común con la película de hoja), y muy a menudo recorte la imagen para ajustar la relación de aspecto. De lo contrario, Hago todo lo posible para obtener la exposición correcta para registrar con precisión los detalles de las sombras, revelar adecuadamente la película con una buena comunicación con mi técnico de filmación para llevar adecuadamente los reflejos a la Zona de elección y luego escanear correctamente el negativo o la diapositiva. Después de realizar cualquier ajuste o recorte menor, guardaré el archivo como un archivo maestro PSD sin pérdidas. Posteriormente, puedo reducir el tamaño de la imagen a cualquier resolución según sea necesario para la impresión, generalmente como un archivo JPEG.

Volviendo a esta fotografía, al examinar el lado de la mesa de luz, el resultado fue asombroso: colores intensos y contraste con una extraña apariencia tridimensional. Era casi como si pudieras envolver tus brazos alrededor de los troncos de arce o estirar la mano y agarrar una hoja de helecho. Escaneé la diapositiva a 4800 ppp. Las dimensiones reales de la imagen de este formato particular de 6 x 7 cm son 56 mm x 72 mm (cada uno de estos sistemas de cámara tendrá una dimensión larga ligeramente variable). Con esta resolución de salida y las dimensiones de la película, el escaneo produjo una imagen de 144 megapíxeles. En Photoshop, hice un ligero ajuste para aclarar el tronco de arce en primer plano y luego recorté el marco a una relación de aspecto de 5:4.

En general, quedé muy satisfecho con la interpretación. La emoción, la interacción de luces y sombras y los hermosos verdes transmitieron lo que había presenciado con mis ojos y visualizado en mi mente mientras hacía la exposición. Desde un punto de vista técnico, Velvia 50 hizo exactamente aquello para lo que fue diseñado. En retrospectiva, esa corta caminata fue un día memorable, de hecho. Curiosamente, en las horas siguientes y durante los siguientes 4 días después de esta exposición, no había ni una nube en el cielo. Las selvas tropicales se inundaron con una luz desagradable y excesivamente contrastada, lo que efectivamente terminó con esas sesiones de fotos en particular. Estaba de acuerdo con eso porque obtuve mi oportunidad y me regalaron hermosos cielos bajo los cuales caminar al otro lado del parque 🙂

Como punto histórico, para aquellos que no están familiarizados con la película de diapositivas, es importante tener en cuenta que, tradicionalmente, ninguna imagen escaneada basada en la web hará justicia a la resolución completa y la tridimensionalidad de una transparencia tal como se ve en una luz. mesa. Ciertamente, un escaneo de tambor de ultra alta resolución podría extraer más detalles, pero aún así no duplicaría la tridimensionalidad. Como su nombre lo indica, las diapositivas también se diseñaron para *proyectarse* en una pantalla de visualización, donde se puede disfrutar de la resolución completa. Lamentablemente, este tipo de proyectores ya no se fabrican y son escasos en el mercado de segunda mano.

A continuación, quedándome dentro del ámbito de los paisajes, elegí la siguiente fotografía para compartir y debatir. Hice esta fotografía el mes pasado en mi lugar favorito para caminar y fotografiar, la Reserva Natural Estatal Torrey Pines.. Para esta fotografía, elegí un mirador, Yucca Point, que ofrece una vista clásica de la costa de San Diego. Deseaba construir una imagen que capturara la quintaesencia de la intersección de la luz, la tierra y el mar al atardecer y registrar un plano continuo de detalles de textura y tonalidad de cerca a lejos. Anteriormente, en los últimos 2 años había intentado fotografiar esta vista al atardecer, pero mis exposiciones habían sido decepcionantes debido a la luz dura y excesivamente contrastada o la luz plana debido a los cielos nublados. Lo que deseaba era una modesta cobertura de nubes con un parche de luz solar unidireccional cerca del horizonte para impartir un *toque* de contraste al paisaje. Dediqué un tramo de días a explorar este sitio y esperar las condiciones adecuadas. Aunque esta no era exactamente la luz que estaba buscando, lo que la naturaleza proporcionó fue lo suficientemente bueno. La primera fotografía a continuación es una foto de exploración hecha con mi iPhone para ilustrar lo que estaba viendo a través de mi tarjeta de composición.

Para hacer esta fotografía hubo múltiples consideraciones, pero las claves fueron la calidad de la luz, el contraste, la relación cerca-lejos y el plano de enfoque. En cuanto a las condiciones climáticas, estaba cerca del atardecer. El cielo estaba mayormente nublado, pero la luz del sol bañaba intermitentemente el paisaje. Configuré mi cámara en un ángulo de casi 90 grados con respecto a la luz incidente, que venía cerca del horizonte hacia el oeste. A medida que la cobertura de nubes evolucionó, el contraste alternó entre bajo y moderado; contraste moderado era lo que buscaba. El paisaje tenía una estructura de interés en el primer plano, el plano medio y la distancia que quería mostrar con un enfoque nítido. Con esas consideraciones en su lugar, elegí un formato de 8 x 10”, la cámara de vista de campo Tachihara 8 x 10 y Kodak Tri-Xpelícula, que es una película legendaria en términos de su tonalidad, estética, contraste moderado y amplia latitud de exposición y rango dinámico.

Brevemente, para aquellos lectores que no estén familiarizados con una cámara de vista, este tipo de cámara ofrece al fotógrafo las ventajas de controlar el plano de enfoque y la forma de la perspectiva en virtud de los planos de manipulación del sujeto, la lente y la película sin tener que para detener excesivamente la apertura de la lente para controlar la profundidad de campo, en marcado contraste con la cámara “rígida” convencional, en la que los planos antes mencionados son paralelos entre sí y fijos. Para obtener información adicional sobre este tipo de cámara, hay una gran cantidad de recursos impresos y de Internet sobre este tema.

Para enmarcar esta perspectiva, elegí un lente de gran angular moderado, el Fujinon-A 240mm F/9. En el formato de 8 x 10”, esta distancia focal proporciona un ángulo de visión similar al que se ve con una distancia focal de 32 mm en el formato de 35 mm. Para enfocar la cámara de vista, el fotógrafo primero debe decidir dónde se encuentra el plano de "mejor enfoque". Dado que el detalle que deseaba capturar se encontraba en el paisaje cercano, medio y distante, el plano de "mejor" enfoque se encontraba en un plano entre las rocas en primer plano, el acantilado en el medio, el acantilado distante en la parte superior izquierda. Para el enfoque lejano, elegí el acantilado en la esquina superior izquierda en lugar de la península más distante porque deseaba detalles precisos en los que establecer el enfoque lejano. ¡Y aquí es donde comienza la diversión! Empleé "movimientos" de la cámara de visión (por ejemplo,

Una descripción completa del enfoque y los movimientos de la cámara de visualización y las consideraciones de profundidad de campo están mucho más allá del alcance de este artículo. Sin embargo, es prudente afirmar aquí que el principio subyacente del enfoque de la cámara de visualización se basa en dos leyes importantes: el principio de Scheimpflugy la regla de la bisagra. Básicamente, estos principios dictan que el plano de mejor enfoque se logra cuando el fotógrafo ajusta la cámara de visión de manera que el plano del sujeto, el plano del objetivo y el plano de la película se cruzan en puntos y líneas bien definidos. El análisis geométrico es interesante, complejo y difícil de entender al principio. Hay algunas cosas que todavía no entiendo sobre la geometría, y los cálculos son extremadamente difíciles y poco prácticos de aplicar en el campo, especialmente cuando se trata de capturar la luz y el tiempo es esencial. Las consideraciones de profundidad de campo son aún más complejas, ni siquiera voy a ir allí. Sin embargo, para aquellos que estén interesados ​​en el análisis técnico puro, recomendaría leer las numerosas publicaciones de Harold Merklinger (disponibles en PDF) sobresu sitio web , que incluye " Principios del enfoque de la cámara de visión ". El Sr. Merklinger, por cierto, es ingeniero y pionero en la geometría de las cámaras de visualización. Para simplificar las cosas, muchos fotógrafos con cámara de vista utilizan listas de verificación bien definidas y examinadas para enfocar la cámara de manera eficiente. Hay varios buenos, pero prefiero la elegante " Lista de verificación para usuarios de cámaras de visualización " de Howard Bond.

Volviendo a la fotografía, una vez que logré el enfoque deseado, centré mi atención en la filtración y medición de la luz. Una de las herramientas más importantes que utilizan los fotógrafos de películas en blanco y negro en el proceso de visualización son los filtros de contraste, que se pueden utilizar para separar colores de forma selectiva y ajustar el contraste. Sorprendentemente, algunos fotógrafos no creen en usarlos, prefiriendo ajustar el contraste durante el revelado de la película y posteriormente en la etapa de impresión. Otros fotógrafos confían mucho en estas herramientas. Personalmente, a menudo uso filtros de contraste, pero los uso de forma selectiva cuando hay un efecto específico que deseo lograr. Para paisajes, los filtros de contraste se pueden usar para aclarar u oscurecer el cielo, el follaje y las rocas, así como para aumentar el contraste entre las nubes y el cielo. Para esta escena, Elegí no usar un filtro de contraste. El único filtro que usé fue un polarizador para reducir el resplandor del océano.

Para la estrategia de exposición, el principio rector para la película impresa o negativa es que el fotógrafo debe exponer las sombras y revelar la película para ajustar las luces. Este es uno *grande*, porque si el detalle de la sombra no se captura en el negativo, entonces no aparecerá en la impresión. Es así de simple. Ciertamente, una vez que se hace un negativo, el fotógrafo puede esquivar y quemar a voluntad, pero los detalles de las sombras se habrán quedado fijos en el negativo.

Con respecto a la captura de detalles de sombras, la decisión más importante para el fotógrafo (que ha sido objeto de debate durante muchos años) se convierte en en qué zona se deben colocar las sombras. Durante años, los fotógrafos han argumentado que las sombras en los paisajes deben ubicarse en la Zona III, mientras que otros han argumentado que deben ubicarse en la Zona IV. Entonces, ¿cuál es la respuesta correcta? Para mí es fácil: las sombras deben colocarse donde quiera el fotógrafo. Es así de simple. Al igual que con muchos otros aspectos de la fotografía, no debería haber "reglas" estrictas sobre nada. Si el fotógrafo desea tener un amplio detalle de sombras en una escena, la exposición de sombras en la Zona IV sería una excelente opción. Por otro lado, si el fotógrafo desea poco detalle o tonalidad (o quizás ninguno) en las áreas sombreadas, entonces sería apropiado exponer en una zona más baja. Una vez más, todo se reduce al proceso de visualización. Cualquiera que sea la construcción que el fotógrafo visualice en la mente y desee traducir a la imagen final, debe usar cualquier estrategia de exposición y métodos que sean necesarios para lograrlo, incluso si va en contra de la "sabiduría convencional", que puede a veces ejercen un desafortunado lastre sobre la creatividad, en mi humilde opinión.

Para esta escena, deseaba conservar el máximo detalle en las áreas sombreadas de las rocas en primer plano, ilustradas por el "círculo rojo" en la fotografía del iPhone; esto requeriría que las sombras se colocaran en la Zona IV. La luminancia de estas rocas estaba muy cerca de la Zona IV tal como está. Para el desarrollo de las altas luces, se debe determinar dónde caen en la escena y dónde deben desarrollarse en el negativo. Aquí, deseaba mantener los reflejos en las rocas de arenisca presentes en el medio del marco tal como están, en la Zona VI, ilustrada por el "círculo verde". (Cabe destacar que entre la toma de la instantánea del iPhone y la exposición de la cámara de vista, la iluminación cambió de tal manera que la intensidad de la luz disminuyó con respecto a la que se muestra en la foto del iPhone). Por lo tanto, Usando mi medidor de puntos con el índice de exposición de la película (elegí la velocidad ISO de cuadro de 320) y el factor de filtro para el polarizador (+1⅔ paradas) marcado, medí las sombras, lo que dio un valor de luminancia que, una vez más, automáticamente cae en la Zona V por defecto. Luego giré el dial EV para configurar la exposición de la Zona IV y leer la velocidad de obturación. Como los reflejos ya estaban donde los deseaba, solicité al laboratorio un desarrollo normal.

Dado que el área utilizable de un negativo de 8 x 10 es de 7,75 x 9,75”, a 2400 ppp, el escáner proporcionó una imagen de 435 megapíxeles, que es suficiente. Para mis propósitos, el escaneo de mayor resolución para películas de 8 x 10 sería excesivo. En Photoshop, hice un modesto ajuste al contraste, eliminé algunas manchas de polvo y recorté la imagen a una relación de aspecto de 5:4. Como revela la fotografía, hay un contraste modesto, pero agradable, en todo el paisaje, amplios detalles de sombras. en las rocas de primer plano, buena nitidez en todo el encuadre, hermosos detalles de textura de cerca a lejos y profundidad de campo adecuada. En general, sentí que la imagen capturaba muy bien la belleza y el estado de ánimo de la escena tal como la había visualizado.

Espero que hayas disfrutado este artículo sobre fotografía cinematográfica y visualización. En las siguientes secciones de este artículo, compartiré fotografías adicionales (arquitectura, más paisajes, primeros planos, exposiciones de película negativa en color, exposiciones de 35 mm), análisis, referencias educativas y comentarios finales. Por favor manténgase al tanto.

Referencias:

1. “ El Negativo: La Serie de Fotografía de Ansel Adams 2 ”. Ansel Adams.
2. “ El Taller de la Zona VI ”. Fred Picker.
3. “ Más allá del sistema de zonas ”. Fil Davis.
4. “Consejos de escaneo”. Galería Kenneth Lee
5. “ Ver la revista de la cámara ”
6. “ Principios del enfoque de la cámara de visión ”. Harold Merklinger.
7. “ Vista de enfoque de cámara y profundidad de campo: Parte I ”. Harold Merklinger.
8. “ Libros Técnicos de Fotografía ”. Harold Merklinger.
9. “ Lista de verificación para usuarios de View Camera ”. Howard Bond.