Construcción de una fotografía: el proceso de visualización

Hola, mi nombre es Rick Keller. Soy un fotógrafo aficionado que vive en San Diego, CA, uno de los muchos lectores de Photography Life y un participante ocasional en sus foros. Recientemente, después de haber participado en Photography Life Photo Critique, Nasim Mansurov amablemente y con entusiasmo me invitó a escribir un artículo invitado para Photography Life para compartir más de mi trabajo cinematográfico y discutir las herramientas y la metodología que utilizo. Acepté de todo corazón la invitación. Mientras reflexionaba sobre esta tarea, inmediatamente me di cuenta de que podía escribir un artículo de este tipo de varias maneras, cada una de las cuales podría conducir a una discusión de subtemas adicionales tanto en fotografía general como en fotografía cinematográfica.

Mientras contemplaba un tema específico para discutir, sentí que sería más significativo y productivo escribir un artículo que fuera a la vez interesante y educativo en lugar de una descripción prosaica de algunas fotografías y las opciones de herramientas. A pesar de lo tentador que es profundizar directamente en una descripción detallada de su trabajo en fotografía, llegué a la conclusión de que no podía escribir un artículo puramente de mostrar y contar sobre mis hazañas cinematográficas sin antes describir mi enfoque general de la fotografía. – un enfoque que se basa en las enseñanzas clásicas, da forma a mi proceso contemplativo, guía por qué y cómo elijo mis composiciones y, en última instancia, determina el proceso posterior de hacer la impresión. Entonces, y solo entonces, me sentiría cómodo escribiendo un artículo dedicado a mi trabajo cinematográfico. Así, después de mucha deliberación, así es como decidí proceder con esta invitación. En este ensayo, discutiré brevemente la historia de un concepto fundamental, pero aún subestimado, en fotografía junto con una herramienta integral (y subestimada) que personifica este concepto. Posteriormente, en un artículo de seguimiento, planeo compartir un ensayo que narra una de mis fotografías más queridas y que creo que ilustra el proceso emocional y creativo de visualización. Y en un tercer artículo de seguimiento, compartiré un grupo selecto de fotografías que he hecho en película y describiré brevemente el proceso técnico involucrado y los servicios auxiliares que utilizo para el revelado, escaneo, impresión, así como también presentaré otros subtemas. para una discusión futura. aún subestimado, concepto en fotografía junto con una herramienta integral (y subestimada) que personifica este concepto. Posteriormente, en un artículo de seguimiento, planeo compartir un ensayo que narra una de mis fotografías más queridas y que creo que ilustra el proceso emocional y creativo de visualización. Y en un tercer artículo de seguimiento, compartiré un grupo selecto de fotografías que he hecho en película y describiré brevemente el proceso técnico involucrado y los servicios auxiliares que utilizo para el revelado, escaneo, impresión, así como también presentaré otros subtemas. para una discusión futura. aún subestimado, concepto en fotografía junto con una herramienta integral (y subestimada) que personifica este concepto. Posteriormente, en un artículo de seguimiento, planeo compartir un ensayo que narra una de mis fotografías más queridas y que creo que ilustra el proceso emocional y creativo de visualización. Y en un tercer artículo de seguimiento, compartiré un grupo selecto de fotografías que he hecho en película y describiré brevemente el proceso técnico involucrado y los servicios auxiliares que utilizo para el revelado, escaneo, impresión, así como también presentaré otros subtemas. para una discusión futura. Planeo compartir un ensayo que narra una de mis fotografías más preciadas y que creo que ilustra el proceso emocional y creativo de visualización. Y en un tercer artículo de seguimiento, compartiré un grupo selecto de fotografías que he hecho en película y describiré brevemente el proceso técnico involucrado y los servicios auxiliares que utilizo para el revelado, escaneo, impresión, así como también presentaré otros subtemas. para una discusión futura. Planeo compartir un ensayo que narra una de mis fotografías más preciadas y que creo que ilustra el proceso emocional y creativo de visualización. Y en un tercer artículo de seguimiento, compartiré un grupo selecto de fotografías que he hecho en película y describiré brevemente el proceso técnico involucrado y los servicios auxiliares que utilizo para el revelado, escaneo, impresión, así como también presentaré otros subtemas. para una discusión futura.

Primero, permítanme profundizar en una breve discusión filosófica de un proceso que muchos fotógrafos (pasados, presentes y, con suerte, futuros) consideran un paso crítico en la construcción de una fotografía, a saber, la visualización. La visualización no es un concepto o proceso nuevo en la fotografía. Los fotógrafos (principiantes, amateurs y profesionales) utilizan a diario la visualización para concebir su trabajo y hacerlo realidad y utilizarlo según su propio estilo personal y forma de ver e interpretar el mundo.

¿Qué es la visualización?

No puedo pensar en una mejor manera de responder a esta pregunta que compartiendo una serie de citas de posiblemente el mejor fotógrafo y maestro artesano que jamás haya existido, Ansel Adams:

“La visualización es un proceso consciente de proyectar la imagen fotográfica final en la mente antes de dar los primeros pasos para fotografiar al sujeto”. (1)

“El término visualización se refiere a todo el proceso emocional-mental de crear una fotografía y, como tal, es uno de los conceptos más importantes de la fotografía”. (2)

“Visualizar una imagen (total o parcialmente) es verla claramente en la mente antes de la exposición, una proyección continua desde la composición de la imagen hasta la impresión final”. La visualización se ve con mayor precisión como una actitud hacia la fotografía. . .” (1)

“El primer paso hacia la visualización, y por lo tanto hacia la interpretación expresiva, es tomar conciencia del mundo que nos rodea en términos de la imagen fotográfica. Debemos explorar lo que está ante nuestros ojos por su significado, sustancia, forma, textura y la relación de los valores tonales. Debemos enseñar a nuestros ojos a ser más perceptivos”. (1)

"Estoy convencido de que los mejores fotógrafos de todas las tendencias estéticas 'ven' su fotografía final de alguna manera antes de que se complete, ya sea mediante visualización consciente o mediante alguna experiencia intuitiva comparable". (1)

Mis colegas fotógrafos, en mi humilde opinión, estas declaraciones personifican una de las filosofías más profundas en la historia de la fotografía. Ansel Adams escribió e instruyó extensamente sobre el proceso de visualización. Consideró que es un proceso consciente, intuitivo y expresivo que comienza como una construcción artística en la mente que el fotógrafo traduce deliberada y físicamente en una expresión visual y tangible de esa construcción. De hecho, Adams, junto con el movimiento llamado Group f/64, es ampliamente reconocido por transformar la fotografía de una representación pictorialista de un sujeto en papel fotográfico en una forma modernista de arte fotográfico caracterizada por un énfasis en la composición, el detalle, la forma y la textura. . Por supuesto, en sus libros, Adams escribe mucho más sobre la visualización y se concentra en gran medida en la apreciación de la estructura, la forma y la forma, así como en las manipulaciones técnicas de las herramientas del oficio que culminan en la impresión, el producto final de la visualización. En las décadas transcurridas desde que Adams sentó las bases de esta filosofía y ayudó a transformar fundamentalmente la fotografía en una forma de arte verdadera y respetada, los fotógrafos continúan utilizando este enfoque de alguna forma de acuerdo con su propio estilo o persuasión, y muchos quizás ni siquiera se dan cuenta conscientemente. . Otros aspirantes a fotógrafos, sin duda, luchan en este proceso, específicamente al dar el primer paso consciente y tangible para traducir la imagen en el ojo de la mente en una exposición, a saber, la formación de la composición. Como explica Adams en sus libros, el proceso de visualización puede ser un proceso natural y sin esfuerzo para el fotógrafo, mientras que para otros, pueden ser necesarios años de práctica y experimentación antes de que puedan tomar el mando y el control. El proceso de concebir y ver la imagen en la mente, reconocer y apreciar su significado físico y/o emocional, y manipular las herramientas físicas al alcance del fotógrafo para crear la imagen final representa el imperativo artístico y técnico que impregna las enseñanzas de Adams y conserva su importancia histórica y práctica en los más de 30 años desde el fallecimiento de Adams.

Como la mayoría de nosotros ya entendemos y apreciamos, Ansel Adams fue un incomparable fotógrafo de paisajes y naturaleza, un ecologista apasionado y un campeón del sistema de parques de EE. UU., aunque hizo un excelente trabajo con bodegones y retratos .. Dado el particular interés de Adams por la fotografía, su estilo y las herramientas del oficio de su tiempo, el proceso de visualización claramente se presta bien al fotógrafo contemplativo, aquel que se deleita en seguir un enfoque lento y deliberado para formular una imagen. en la mente, interpretando esa imagen visual y traduciendo esa imagen en una impresión que transmita mejor lo que el fotógrafo estaba viendo y sintiendo en ese momento. Para aquellos fotógrafos que no fotografían paisajes, arquitectura, imágenes fijas o retratos cuyo imperativo e interés radican en capturar el movimiento donde hay poco tiempo para la contemplación, diría que el concepto puro de visualización sigue siendo relevante para esos esfuerzos particulares y cualquier otro campo. de fotografía

En los más de 80 años desde que Adams se embarcó en su viaje épico hacia la fotografía, el mundo ha visto grandes cambios socioeconómicos y tecnológicos que lo han transformado profundamente. Con respecto a los avances en fotografía, curiosamente Ansel Adams comentó algunos de estos cambios y reaccionó favorablemente, incluida la automatización de las cámaras y las primeras etapas de la invención de la cámara digital, de la cual Adams también manifestó su interés y reconoció las posibilidades futuras. y aplicaciones. Dados los avances tecnológicos que ha visto el mundo de la fotografía en los últimos 30 años; la evolución de una sociedad acelerada; una sed de gratificación instantánea; la búsqueda individual para la adquisición de nuevos equipos fotográficos y actualizaciones perpetuas de equipos; y la relativa desaparición de las enseñanzas clásicas en la fotografía actual, Yo diría que el proceso de visualización juega un papel más crítico en el desarrollo del fotógrafo moderno en el año 2015 que nunca. Sin una traducción hábil de la visualización y la creación de una composición convincente, no se puede realizar la construcción de una fotografía significativa. Espero que muchos de mis compañeros fotógrafos, jóvenes o viejos, aficionados o profesionales, analógicos o digitales, estén de acuerdo con esta afirmación.

Hoy en día, los interesantes y emocionantes avances en la tecnología de cámaras y lentes, paradójicamente, pueden tener un efecto adverso en la visualización. Por ejemplo, la automatización (p. ej., enfoque, medición, exposición, ver una imagen inmediatamente) ciertamente tiene sus ventajas y aplicaciones, pero considero que es una de mis historias favoritas de "amigo o enemigo" en fotografía (este es un tema potencial). de un artículo futuro), la automatización puede potencialmente inhibir la mentalidad subjetiva y creativa y afectar negativamente el proceso de evaluación objetiva en la construcción de la fotografía en la mente en la creación de la composición. La tendencia creciente e inquietante entre los fotógrafos aficionados y profesionales de gastar energía mental preciosa (sin mencionar los salarios y ahorros duramente ganados) obsesionándose con detalles técnicos, como la velocidad y precisión del enfoque automático, las velocidades de microprocesamiento, los búferes, la resolución de nitidez, los gráficos MTF, el ruido, los píxeles (la lista parece interminable) a expensas de canalizar los procesos de pensamiento crítico y la creatividad en una composición es contraproducente. También diría que las superposiciones psicológicas de una sociedad exigente y acelerada también ejercen fuerzas contraproducentes sobre el fotógrafo moderno, lo que significa menos tiempo, o peor, menos interés, para contemplar, construir una composición significativa, perfeccionar las habilidades básicas. de los esfuerzos conscientes subsiguientes (p. ej., exposición, revelado, procesamiento, impresión), y realizar una evaluación autoevaluativa y objetiva de los propios esfuerzos y hazañas. Hoy en día, rara vez veo referencias o discusiones, ya sea en línea, en artículos impresos o en el portafolio de un fotógrafo, el estilo contemplativo de un fotógrafo en el proceso de visualización o una explicación de cómo y por qué funciona una composición particular o cómo se puede mejorar; e incluso si existe tal comentario evaluativo, parecería ser vago o evolucionar rápidamente hacia una descripción técnica. Nuevamente, eso no quiere decir que el fotógrafo moderno no practique la visualización de manera competente o creativa en sus hazañas. Los fotógrafos hábiles y talentosos logran esto de alguna forma todos los días. El problema que veo es que el discurso sobre la fotografía y la formación del fotógrafo aspirante e impresionable aparentemente se ha arraigado en un énfasis excesivo en las herramientas técnicas de visualización, con una fuerte implicación de que la cámara y la lente, por encima de todo, determinan el éxito de la visualización y la creación de una composición y exposición sólidas y un énfasis insuficiente en la visión artística, la creatividad, las habilidades de composición y la búsqueda y manipulación de la luz. Sin una comprensión de los fundamentos de la creación de una composición fuerte y convincente (reconocer mentalmente la forma, el patrón, la disposición, el encuadre y las interrelaciones), las herramientas físicas que uno usa en las últimas etapas no ayudarán al fotógrafo a lograr su objetivo. objetivo, sin importar cuán avanzadas y de alto nivel puedan ser esas herramientas. Este enfoque sesgado de la fotografía, en mi opinión, perjudica la visualización y frena el crecimiento del fotógrafo. Argumento que el mayor margen de mejora en este proceso de crecimiento radica en la habilidad de composición. Debo admitir que personalmente fui víctima de este agujero negro al principio de mis hazañas en la fotografía, pero logré escapar de él... De hecho, muchos autores modernos ya han escrito sobre este problema desalentador, incluidos los colaboradores de Photography Life. Sharif ha compartido este artículo enequipo versus habilidad y desafiarte a ti mismo para mejorar . Muchos autores también han escrito artículos sobre cómo mejorar las habilidades de composición, incluida una excelente serie que comienza con esta . Sin embargo, siento que queda mucho trabajo por hacer en este esfuerzo. Superar un énfasis masivo, aparentemente calculado, de alta tecnología y notoriamente fuera de lugar en el equipo para mejorar la calidad y los méritos de la propia fotografía para restaurar el equilibrio y el énfasis en el proceso fundamental de visualización es una tarea formidable, pero se puede hacer.

Entonces, con esta introducción a la historia del concepto de visualización y una breve discusión de los problemas de hoy en día que amenazan con descarrilarlo, esto me lleva a una discusión de una herramienta muy simple, subestimada y quizás olvidada en el proceso de visualización. que pueden mejorar su habilidad de composición. Dos años después de mis hazañas fotográficas, llegué a la conclusión de que solo hay tres cosas que determinan el éxito al hacer una fotografía convincente: la visión artística, la luz y la habilidad del fotógrafo. Esencialmente, llegué a esta conclusión a partir de un enfoque de prueba y error basado en la autoevaluación, la experiencia, el estudio de las enseñanzas clásicas y el examen del trabajo de los grandes fotógrafos, tanto los clásicos como los contemporáneos.

En mi humilde opinión, aquí es donde todo comienza y termina. No pasa un día o una fotografía en la que no piense en esta tríada filosófica al contemplar mi próxima fotografía. Es un concepto dentro de la visualización que impulsa mis procesos de pensamiento y mi metodología, me inspira y me mantiene honesto . Tradicionalmente, he argumentado firmemente que el equipo y las herramientas en sí mismos no hacen que tus fotografías sean mejores de lo que ya son o de lo que están destinadas a ser. Considere, algunas de las mejores fotografías que jamás se hayan hecho se construyeron con cámaras, lentes y otras herramientas que se fabricaron antes de que todos nosotros naciéramos. De hecho, esas mismas herramientas clásicas de principios y mediados del siglo XX todavía estánsiendo hoy utilizado para hacer impresionantes fotografías (este también es un tema tentador para un artículo futuro). Siempre he sostenido que la tríada anterior es impermeable al equipo esencial que uno lleva: la cámara y el objetivo. Por supuesto, se puede argumentar que la luz en esta tríada es en sí misma una herramienta que se puede fabricar y manipular, ya sea que la luz provenga del sol o de una fuente artificial, como un flash o una unidad estroboscópica, que se puede considerar un "equipo". Ciertamente estaría de acuerdo con ese argumento. Además, también se puede argumentar que el equipo de cámara "más reciente y mejor" facilita al fotógrafo la creación de fotografías en condiciones estrictas y desafiantes que de otro modo no serían posibles. En general, también estaría de acuerdo con eso,

Sin embargo, haría una notable excepción a esta tríada. Yo diría que si hubo un esfuerzo consciente en todo el proceso de visualización, una herramienta subestimada que puede mejorar la calidad y el mérito general de su fotografía, entonces sería la tarjeta de composición o la tarjeta de composición. La tarjeta de composición ha sido una herramienta instrumental y tradicional para los fotógrafos durante décadas y continúa siendo utilizada hoy en día por fotógrafos expertos y contemplativos. Espero que algunos de mis compañeros fotógrafos, ya sean analógicos o digitales, también utilicen esta herramienta. Curiosamente, en los cinco años que he estado estudiando el arte de la fotografía, todavía tengo que presenciar cómo los fotógrafos utilizan la tarjeta de composición en la práctica. En los talleres de fotografía, de los que he tenido el placer y el privilegio de haber participado en tres, o en Internet, rara vez encuentro una referencia al uso de la tarjeta de composición al hacer una fotografía. Una excepción notable es estaartículo muy bien escrito publicado no hace mucho por Alan Ross, quien fue el asistente personal de Ansel Adams en su cuarto oscuro en la década de 1970 y es un fotógrafo excepcionalmente talentoso y consumado por derecho propio.

Tarjeta de composición

¿Qué, puede preguntar, es una tarjeta de composición? Es realmente bastante simple. En palabras de Ansel Adams, la carta de composición está elegantemente definida y descrita:

“La visualización de fotografías […] se puede llevar un paso más allá usando una tarjeta recortada negra… El cuadro se corta a las proporciones del formato de la película y se mantiene a la distancia aproximada del ojo para aproximar el área de la imagen. La tarjeta ayuda a aislar y ver más agudamente las relaciones de los elementos del tema…” (2)

No existe un manual de instrucciones per se para usar una tarjeta de composición. Es una herramienta intuitiva y que se explica por sí misma, pero cada fotógrafo que la usa tiene su propio estilo único de cómo usarla. La manera de usarlo es una vez que tenga un tema de interés ante sus ojos, deje a un lado cualquier otra pieza de equipo que tenga en sus manos (o colgando sobre su hombro o espalda) y use el centro recortado de la tarjeta para coloque el tema de interés dentro del área de la imagen recortada para enmarcar la composición sugerida. Una vez que "vea" al sujeto a través del "agujero" en la tarjeta, puede refinar fácilmente esa composición inicial caminando hacia o alejándose de su sujeto, explorando diferentes ángulos, ajustando la perspectiva y alternando entre la posición horizontal o vertical. Más lejos, al extender o retraer el brazo que sostiene la tarjeta para ajustar la distancia entre sus ojos y la tarjeta, puede aproximar fácilmente la distancia focal adecuada que necesitará para el marco. Entonces, y solo entonces, estará preparado para dar el siguiente paso crítico: abrir la persiana. Básicamente, el cuerpo del fotógrafo se convierte en la cámara, los ojos en el objetivo y la tarjeta en la impresión final.

La belleza y el poder de la tarjeta de composición radican en que entrena la mente y los ojos para visualizar la composición a partir de la relativa "inmensidad" de la escena antes de que el fotógrafo realice la exposición. Con la práctica y la experiencia, existe el potencial para que el fotógrafo se vuelva más hábil para reconocer y "filtrar" los elementos extraños e incluir solo lo que se desea (y se necesita) para la fotografía. Muchos de ustedes podrían estar pensando: “Bueno, ya hago todo esto a través del visor o en el vidrio esmerilado de mi cámara. . . ”Eso es muy cierto. De hecho, sujetar la cámara (sobre un trípode o monopié, por supuesto) y mirar a través del visor mientras mueve los pies y ajusta la distancia entre el sujeto y la cámara, variando los ángulos, la dirección y la perspectiva son una excelente manera de mejorar su composición. habilidad. Sin embargo, con la tarjeta de composición, el fotógrafo tiene la ventaja de ver una escena más ancha o más estrecha (en particular para aquellos que usan una lente principal) en virtud de extender la tarjeta desde los ojos, lo que le permite prestar más atención. fronteras, formas, forma y estructura. Yo diría que sostener una cámara en las manos para simular este proceso no brinda los beneficios equivalentes y, de hecho, puede ser contraproducente. Por ejemplo, el peso físico de la cámara/objetivo en las manos puede ser una distracción. Ciertamente, el fotógrafo puede ser demasiado consciente de no querer dejar caer esa valiosa pieza de equipo, y eso puede ejercer un efecto inhibitorio sobre la creación de la composición. Sostengo que cuanto más libre esté la mente de tales distracciones o preocupaciones, mejor. Además, si el fotógrafo comienza con una vista relativamente más restringida a través del visor, es posible que sea menos capaz de reconocer elementos fuertes (o débiles) en una composición potencial. Como beneficio adicional, un beneficio psicológico potencial del uso de la tarjeta es que puede simular el marco de la imagen que encierra la impresión terminada, y que si el fotógrafo comienza con una vista relativamente más restringida a través del visor, es posible que sea menos capaz de reconocer elementos fuertes (o débiles) en una composición potencial. Como beneficio adicional, un beneficio psicológico potencial del uso de la tarjeta es que puede simular el marco de la imagen que encierra la impresión terminada, y que si el fotógrafo comienza con una vista relativamente más restringida a través del visor, es posible que sea menos capaz de reconocer elementos fuertes (o débiles) en una composición potencial. Como beneficio adicional, un beneficio psicológico potencial del uso de la tarjeta es que puede simular el marco de la imagen que encierra la impresión terminada, y quepuede ejercer una influencia positiva en el proceso creativo. Una vez más, cuanto más se centre la mente de manera positiva y creativa en esta etapa crítica del proceso de visualización, mejor. En esencia, la tarjeta de composición aleja al fotógrafo de la emoción técnica fría y física de la propia cámara (botones, palancas, interruptores, ajustes), que considero una distracción significativa en esta etapa crítica. La tarjeta puede proporcionar al fotógrafo más libertad y comodidad para traducir la imagen en el ojo de la mente en una composición sólida. Por supuesto, una vez que el fotógrafo utiliza la tarjeta como herramienta física inicial para definir la composición y está listo para realizar la exposición, puede tomar la cámara que elija, mirar a través del visor o el vidrio esmerilado debajo de la paño oscuro, para refinar la composición final y luego abra el obturador. Si lo piensas bien, la tarjeta de composición es una herramienta elegante y potencialmente poderosa.

En cuanto a la construcción de la tarjeta en sí, los fotógrafos han utilizado una tarjeta blanca o negra. Prefiero usar una tarjeta negra porque creo que la "oscuridad" de la tarjeta me ayuda a aislar la composición de los elementos extraños fuera de la tarjeta de manera más eficaz, como el visor de la cámara o la tela oscura sobre el vidrio esmerilado. hacer. Alternativamente, el uso de una tarjeta blanca puede ayudar a simular el blanco mate en un marco de imagen, y eso también puede ejercer un impacto psicológico positivo al enmarcar la composición. ¡O puedes usar ambos! Realmente, se reduce a su estilo y preferencia personal.

Claramente, la tarjeta de composición está diseñada para ser una herramienta para el fotógrafo contemplativo que se deleita y se enorgullece de un enfoque lento y deliberado para evaluar el sujeto, la iluminación y el estado de ánimo de la escena. Como tal, la tarjeta de composición es ideal para el fotógrafo de imágenes fijas (paisajes, retratos, bodegones) donde el sujeto es relativamente estático. Obviamente, la tarjeta sería mucho menos útil para el fotógrafo de acción.

Entonces, ¿cómo se hace una tarjeta de composición? Es fácil y asequible. Simplemente tome un pedazo de cartulina rígida o cartón, corte las dimensiones exteriores a un tamaño conveniente para sostener (como 7×8” u 8×10”). Luego, en el centro de la tarjeta, recorta las proporciones aproximadas del área de la imagen para los formatos que utilices. Puede usar una tarjeta para cada formato que use (p. ej., 35 mm, 6 × 4,5, 6 × 7, 4 × 5), pero eso no es estrictamente necesario, siempre que las dimensiones del área de la imagen sean lo suficientemente grandes para ver a través y aproxime la relación de aspecto que imagina para su impresión. Personalmente, uso dos tarjetas: una para una relación de aspecto de 5:4 para mis cámaras de medio y gran formato y otra con una relación de aspecto de 3:2 para mi cámara de 35 mm. Una vez más, esto es cuestión de elección. Una buena dimensión para el borde más largo del corte sería entre tres y cinco pulgadas, dependiendo de su preferencia por la facilidad de visualización. ¡Eso es! Simple, barato, pero muy eficaz. Dado que he estado usando la tarjeta de composición durante poco más de un año, la considero una herramienta fundamental en el desarrollo y perfeccionamiento de mis habilidades de composición. En una sesión de fotos o una caminata, automáticamente empaqueto la bolsa de mi cámara con mi tarjeta y no tomo ninguna fotografía sin ella, ¡hablo en serio! En las fotografías a continuación, he incluido algunas ilustraciones modestas de mi tarjeta de composición y cómo la he usado para visualizar mis impresiones finales. ( Empaco automáticamente la bolsa de mi cámara con mi tarjeta y no tomo ninguna fotografía sin ella. ¡Lo digo en serio! En las fotografías a continuación, he incluido algunas ilustraciones modestas de mi tarjeta de composición y cómo la he usado para visualizar mis impresiones finales. ( Empaco automáticamente la bolsa de mi cámara con mi tarjeta y no tomo ninguna fotografía sin ella. ¡Lo digo en serio! En las fotografías a continuación, he incluido algunas ilustraciones modestas de mi tarjeta de composición y cómo la he usado para visualizar mis impresiones finales. (Nota : Hice la fotografía del árbol hace aproximadamente un año, así que recientemente volví a la escena original para hacer una ilustración con mi tarjeta).

Incluso fotógrafos contemporáneos y consumados, como el magnífico Howard Bond , utilizan la tarjeta de composición para visualizar sus impresiones. En una correspondencia reciente, el Sr. Bond me relató esto con respecto a la tarjeta:

“Hace que las composiciones sean más probables. . . la posición exacta de la cámara y la lente se pueden determinar antes de configurar la cámara. Uso una tarjeta de composición para todas mis fotografías. ”

“Mirar a través de él es más como mirar la impresión terminada montada. Una gran ventaja de la tarjeta de composición para los usuarios de lentes sin zoom es ahorrar tiempo al usarla para descubrir qué lente ponerse. . .”

La sencillez y la influencia de la tarjeta de composición en el proceso de visualización son invaluables. El único desafío, si lo hay, es que el fotógrafo guarde consciente y deliberadamente la tarjeta en la bolsa de su cámara y luego la saque de la bolsa de la cámara y la use. Cuando comencé a usar la tarjeta por primera vez hace más de un año, debo admitir que me sentí incómodo sosteniendo este marco con un orificio recortado en el medio para examinar a mi sujeto mientras los transeúntes curiosos sin duda se preguntaban o susurraban entre sí: "Oh, mira cariño, me pregunto qué está haciendo ese tipo". Con práctica y experiencia, ahora me siento muy cómoda y empoderada al usar mi tarjeta de composición. Nunca me pregunto si necesito usarlo para una fotografía determinada. Es un proceso automático y condicionado para mí. Sostengo que para el fotógrafo contemplativo, la herramienta física que debería sacarse de la bolsa de la cámara antes que nada debería ser la tarjeta de composición, que considero el puente tangible entre la mente y la impresión. Mis compañeros fotógrafos, apoyo y recomiendo esta herramienta para refinar y traducir el proceso de visualización. Por favor, ¿por qué no lo intentas? Hay mucho que ganar, y puede que te sorprendas gratamente.

Espero que hayas encontrado este ensayo sobre visualización interesante y educativo. Deseo agradecer a Nasim Mansurov por su invitación para presentarme y presentar este artículo. Como mencioné, muy pronto compartiré con Photography Life un ensayo de seguimiento sobre visualización, así como un artículo separado sobre mis herramientas y proezas particulares en la fotografía cinematográfica. Te invito a dejar tus comentarios y preguntas a continuación. Si prefiere enviar un mensaje privado, puede hacerlo con su cuenta de Photography Life o por correo electrónico en mi galería en línea en Zenfolio . Gracias.

(1) Lo Negativo. La serie fotográfica de Ansel Adams 2.
(2) La cámara. La serie de fotografías de Ansel Adams 1.