Tomar fotografías fuera de su zona de confort
Después de decidir tomar mi fotografía un poco más en serio hace unos tres años, se me ocurrió una estrategia (algo imprecisa) sobre cómo podría mejorar. Mi objetivo final era encontrarme como fotógrafo y mejorar mis habilidades en el camino. En el fondo de mi mente, todavía albergo esperanzas de convertirme en profesional, pero por el momento me conformo con pasar parte de mi tiempo libre aprendiendo y desarrollando mis habilidades. En ese momento, la mayoría de mis fotografías se basaban en la vida silvestre, y en general todavía lo es.
Me había sentido cómodo con mi flujo de trabajo de fotografía de vida silvestre. Habiendo aprendido todos los lugares frecuentados por muchas de las especies nativas más carismáticas del Reino Unido, podía salir cualquier día con la certeza de que algo aparecería. Si tuviera suerte, capturaría una imagen interesante.
Mi fotografía, sin embargo, se había vuelto obsoleta. Reconocí que faltaba la calidad de mis imágenes. Hasta este punto, mi enfoque habitual había sido usar esto como una excusa para comprar una nueva pieza de equipo fotográfico. Esta vez, decidí adoptar un enfoque diferente: buscaría deliberadamente formas de salir de mi zona de confort y desafiar lo que estaba haciendo en mis imágenes. No se trataba tanto de hacer cosas incómodas , sino más bien de hacer las cosas de manera diferente en comparación con la forma en que había sido hasta ese momento.
1) Blanco y negro
Primero fue una técnica fácil de probar: simplemente configure la cámara para tomar fotografías en blanco y negro y comience. No recuerdo dónde leí por primera vez sobre esta técnica, pero mi experiencia con ella siempre ha sido inquietante y liberadora. El susto inicial de ver imágenes en la pantalla de la cámara en blanco y negro pasa pronto. Las imágenes se simplifican; se elimina la distracción del color y se revela la verdadera iluminación y textura de una escena.
Hay algunos temas que se traducen bien en blanco y negro. La arquitectura con líneas ásperas y sombras oscuras siempre parece funcionar bien.
A las escenas u objetos antiguos se les puede dar un sentido de nostalgia y en monocromo. Los retratos se benefician especialmente de la simplificación de cómo se representa la luz (más sobre esto más adelante).
Descubrí que al disparar en blanco y negro con mi Nikon DSLR, podía configurar el control de imagen en monocromo, lo que significaba que obtenía imágenes en blanco y negro en la pantalla de la cámara, pero toda la información de color se conserva en el archivo RAW, por lo que siempre podía verificar cómo se veía la imagen en color una vez de vuelta en mi computadora.
2) Retrato
Los retratos no formaban parte de mi cartera (a menos que incluyas retratos de animales salvajes o fotos familiares). Quería probar algo que normalmente nunca haría, así que en 2016 me inscribí en un curso de retratos de estudio. Fue un curso de un día en Londres que cubrió los conceptos básicos de la fotografía estroboscópica, incluido cómo usar un medidor de luz y una selección de técnicas de iluminación de libros de texto para comenzar.
Fuera de mi hábitat rural habitual, me resultaba extraño llevar mi equipo fotográfico sin llevar una chaqueta de Gore-Tex y botas para caminar. Al llegar a un entorno aún más extraño, un estudio de fotografía, ¡tuve que comenzar a hablar sobre fotografía y retratos con otras personas! El curso estuvo muy bien organizado con ejemplos trabajados y literatura de apoyo. Aunque no obtuve ningún tiro "asesino" ese día, ciertamente aprendí mucho.
Probablemente la lección más importante fue ver cómo la luz estaba jugando un papel en mi composición, aprendiendo cómo podía cambiar la sensación de mi tema. La imagen de arriba fue una de las más exitosas del curso. La iluminación de Rembrandt agregó drama sin volverse demasiado dura.
Después del curso, mi forma de mirar los retratos había cambiado. Pude descubrir cómo alguien había creado una imagen de estudio buscando las pistas en la iluminación. Al igual que aprender a leer, esto era algo que no podía desaprender, y esa comprensión comenzó a reflejarse en mi fotografía cotidiana.
A veces, sin embargo, no se trata solo de controlar la iluminación, sino de saber cuándo la luz natural es buena. En el caso anterior, la combinación de la iluminación en bucle y la luz del cabello fue bastante especial, y era importante darme cuenta de que debía capturar el momento antes de que cambiara la luz.
3) Fotografía callejera
He admirado durante mucho tiempo la fotografía callejera. Encuentro imágenes de personas en la vida cotidiana realmente cautivadoras. Como alguien que lucha en situaciones de confrontación, escuché muchas historias de terror de fotógrafos que fueron desafiados por tomar fotografías sin invitación. Temía la idea de preguntarle a alguien si podía tomar su foto. Con una sensación de temor, me inscribí en un curso de fotografía callejera. Sabía que un día deambulando por los bulliciosos mercados del este de Londres, cámara en mano, me haría bien o me arruinaría.
El tutor del curso tuvo un enfoque excelente y relajado, lo que me ayudó a calmar los nervios y me inspiró para intentarlo. Lo que me abrió los ojos fue que, preguntado amablemente, muchas personas estaban felices de que les tomaran una foto. Un poco de adulación puede contribuir en gran medida a obtener una fotografía. Además, si el entorno estaba lo suficientemente ocupado, a menudo se podían capturar tomas notablemente francas sin que la gente se diera cuenta.
Sin embargo, ciertamente tenías que estar preparado para las cosas. Si no hubiera estado en el modo de prioridad de obturación con el enfoque central de un solo punto, nunca habría logrado esta toma. El joven estaba sentado en la parte trasera de este puesto de sombreros y bufandas en el mercado de Petticoat Lane y se puso firme para mí mientras apuntaba mi cámara en su dirección.
Al pasar por esta cocina de aspecto vibrante después de la emoción del mercado, estaba completamente en la zona y no tuve reparos en preguntarle al chef si podía tomarle fotos trabajando. La ventana azul hizo un gran marco para la imagen.
La generación selfie no tuvo reparos en posar para las fotos. Estas adolescentes rezumaban confianza mientras se relajaban en un viejo sofá en el jardín comunitario de Brick Lane. ¡Sin embargo, me tomó 5 minutos reunir el coraje para pedirles su foto!
4) Disminuir la velocidad con una lente de enfoque manual
La fotografía de vida silvestre para mí rara vez fue un proceso lento. Por lo general, mis tomas fueron capturadas de camino al trabajo, en bicicleta con mi cámara en el pecho. Si la vida silvestre fuera complaciente, normalmente tendría unos pocos minutos para capturar la escena antes de que el animal se alejara o tuviera que irme yo mismo.
Para salir de este estilo algo frenético, tenía que hacer algo que me ayudara a pensar diferente. Empecé a poner una vieja lente gran angular de enfoque manual en mi DSLR y a llevarla conmigo en los viajes. De repente, mi mundo se transformó de un teleobjetivo de 300 mm (o más) con estabilización VR y enfoque automático a un lente liviano de 24 mm con enfoque manual y apertura manual. Tuve que cambiar por completo mi enfoque para tomar fotografías.
Empecé a planificar las cosas con más cuidado. Esto fue más allá del simple "¿qué apertura es apropiada para esta imagen?" y "¿está enfocado el elemento correcto?" preguntas que tenía. Empecé a preguntar otras cosas en su lugar: ¿Hay un mejor ángulo para tomar la foto? ¿Es un gran angular realmente apropiado para el sujeto que tengo delante?
Sin otras opciones de lentes en mi bolso, si la imagen no iba a funcionar, simplemente seguía adelante y buscaba la imagen correcta en otro lugar.
Me tomó dos visitas a este lugar antes de que lograra capturar una imagen que le hiciera justicia. Habiendo estado decepcionado con mis resultados anteriormente, cuando se pronosticaron las condiciones climáticas adecuadas (frío y heladas), sabía exactamente el tipo de imagen que quería capturar. El objetivo de 24 mm fue mi elección y ejecuté la imagen con claridad y decisión, dándome tiempo para relajarme y disfrutar del amanecer.
En un viaje de trabajo, decidí renunciar a mi selección habitual de lentes y viajar ligero, y solo llevé mi lente de enfoque manual en la D7000. En el centro de Chicago, me tomé mi tiempo para decidir qué ángulo me gustaba más de la Trump Tower. Después de mucho deambular, esta vista pareció aparecer de la nada. El tren elevado creó un efecto casi claustrofóbico, mientras que la torre se destaca como un impostor completamente diferente en su entorno. Si no hubiera estado en el estado de ánimo tranquilo otorgado por mi lente de enfoque manual, dudo que hubiera pasado el tiempo explorando las opciones. Mi imagen bien podría haber terminado como otro horizonte frente al mar.
Disminuir la velocidad me permite detectar cosas que de otro modo permanecerían ocultas, como lo asombrosos que eran los colores en la corteza de los árboles en un bosque local. Si mi teleobjetivo habitual para caminar hubiera estado en mi cámara, no habría podido capturar el detalle tan bien, y mucho menos estar en el estado de ánimo adecuado para detectarlo.
5) Realmente ralentizándolo
Nada me dice una fotografía tranquila como una película. Con la película, no existe una solución rápida: no hay gratificación instantánea de una imagen en la parte posterior de su cámara, y no hay un refinamiento constante de una toma hasta que la perfeccione.
Disparar con película te obliga a visualizar cómo quieres que se vea la toma. Debe tener una comprensión más profunda del impacto de la apertura, la exposición y la película que está utilizando. Debe estar íntimamente familiarizado con su equipo y sus habilidades para obtener los mejores resultados posibles. No pretendo ser un experto en ninguna de estas cosas, pero filmar películas es una curva de aprendizaje empinada que me ha ayudado mucho a mejorar mi técnica.
He adquirido una pequeña selección de cámaras de segunda mano, desde una Konica SLR ligera hasta equipos de nivel profesional como la Nikon F4. Incluso comencé a explorar la fotografía de formato medio con una Bronica S2a recientemente adquirida.
Comienzas a pensar de manera muy diferente sobre las fotografías que tomas cuando el acto de activar el obturador ya no es desechable. Dado que cada disparo de Velvia de formato medio cuesta £ 2- £ 3 (dependiendo de la resolución de escaneo), realmente quiere estar seguro de que lo hizo bien antes de presionar ese botón. ¡Por primera vez desde la década de 1990, salí con mi cámara y solo tomé una foto!
El primer rollo de película, de mi tienda benéfica Konica FP-1, contenía esta joya de un concurso local de arado (sí, eso es así). Había intentado tomar fotografías al mismo tiempo con mi DSLR pero no me emocionaban ni la mitad que la película procesada. Desde entonces, la fotografía cinematográfica ha sido un placer culposo, siempre gratificante y, a menudo, inspirador.
Pasé en bicicleta por esta área de bosque camino al trabajo durante más de 2 años. Fue solo después de comenzar a disparar con la película Fuji Velvia que noté los colores presentes en los árboles cubiertos de musgo y las hojas caídas. Me preguntaba cómo se vería con un bonito amanecer derramándose entre las ramas. Una semana después llegó mi amanecer y la imagen se unió.
Incluso bajo la presión de no pasar demasiado tiempo tomando fotos en una salida familiar, logré buscar un espacio tranquilo lejos de los turistas para tener una vista clara del horizonte de los Docklands desde el techo del Observatorio de Greenwich. En ese momento supe que hacer el tiro conduciría a un resultado que valdría la pena conservar.
6. Conclusión
Entonces, ¿cuál es el efecto neto de todas mis experiencias fotográficas “fuera de tu zona de confort”? Después de hacer un esfuerzo tan consciente para cambiar lo que estaba haciendo, fue algo sorprendente darme cuenta de que los cambios en mi fotografía original de la vida silvestre estaban ocurriendo de manera casi inconsciente.
El curso de fotografía de retrato me ha hecho pensar mucho más detenidamente en la iluminación; ¿De dónde vienen mis fuentes de luz? ¿Cuál es la calidad de la luz? ¿Se verían mejor las cosas a una hora diferente del día? ¿Qué sucedería si agregara luz usando un flash?
Este zorro urbano en mi jardín delantero requirió una planificación seria, sobre todo la iluminación. Usé dos luces de velocidad fuera de la cámara para complementar el alumbrado público y permitirme una apertura más pequeña y un ISO más bajo.
Tomar más imágenes en blanco y negro me ha ayudado a ver otras oportunidades de composición. Donde antes siempre buscaba que el animal quedara bien en la toma, ahora considero cómo funciona la imagen completa. ¿Qué otros elementos hay en la imagen? ¿Agregan o restan valor a lo que quiero que diga la imagen?
Este Avetoro Americano estaba en medio de un ambiente ajetreado de pastos y madera muerta. La única forma de capturar verdaderamente al sujeto era acercarse y eliminar el desorden de la escena. Valió la pena descender en el bote y esperar a que el ave emergiera de su cubierta menos agradable desde el punto de vista fotográfico.
La fotografía callejera me ha enseñado a estar preparado para el momento. Es posible que solo tenga una oportunidad para una imagen impactante. Además, no hay necesidad de tomar 100 fotos donde una será suficiente, si la imagen no funciona, pasar a tomar 20 más de la misma foto es improductivo.
Una ardilla roja descarada en la Isla de Wight estaba ocupada buscando un bocadillo en un contenedor de basura. Tuve que configurar la cámara manualmente antes de voltear la tapa del contenedor. Tuve unos 5 segundos para tomar la foto antes de que se zambullera bajo la basura.
Ralentizar las cosas ha hecho maravillas en mi proceso de pensamiento fotográfico. Esto es especialmente evidente cuando se trata de paisajes. Ahora me conformo con ubicarme en un paisaje en el momento adecuado del día, configurar la cámara y ver qué evoluciona.
Bembridge en la Isla de Wight es una delicia para los fotógrafos. Con playas accesibles y una enorme variedad de paisajes, puedes rodar aquí todo el día y no aburrirte. Ahora prefiero encontrar un lugar tranquilo al amanecer o al atardecer y dejar que la naturaleza haga su trabajo.
La fotografía de películas me ha ayudado a planificar mis tomas para el éxito: visualizar una escena antes de que suceda y luego trabajar hacia ese objetivo. Se trata de ajustar los elementos hasta que obtenga el mejor resultado posible con las herramientas y el escenario a su disposición.
Este hongo monstruoso había sido derribado por un caminante torpe o un animal salvaje. Tuve que volver a plantarlo en su lugar original y luego llenar la parte inferior con una ráfaga de flash fuera de la cámara durante una exposición de 10 segundos.
Si está buscando cambiar la forma en que toma fotografías, solo puedo alentarlo a que salga de su zona de confort e intente algo que normalmente no haría. Sigo buscando cosas nuevas para probar y, en la medida de lo posible, reincorporo las nuevas habilidades a mi fotografía de vida salvaje. Estoy satisfecho con los resultados hasta ahora. Nunca se sabe, tal vez algún día me convierta en profesional.
Dave Faulkner es un entusiasta fotógrafo aficionado de vida silvestre de Hampshire, Inglaterra. Para ver más ejemplos de su trabajo, puedes visitar su blog en Wild About Photos .