Consejos esenciales para fotografiar representaciones teatrales
La fotografía teatral implica proporcionar imágenes que sean concisas y mantengan la integridad de la luz y la visión del director. En los últimos años, he trabajado con grupos de teatro locales en nuestra área para proporcionar imágenes promocionales y fotografías de rostros, así como también imágenes de archivo de sus producciones. Las imágenes de archivo son utilizadas por los actores, escenógrafos/constructores y diseñadores de vestuario para representar su trabajo. Durante estos últimos años he aprendido a aplicar técnicas que ahorran tiempo, como el uso de ajustes manuales de la cámara, balance de blancos manual, profundidad de campo específica y trucos de posprocesamiento.
Fotografiar teatro es ligeramente diferente a cualquiera de mis otras sesiones fotográficas. No tengo el control de la iluminación y estoy sujeto a la visión del director de iluminación, siendo la luz una parte integral del proceso de narración teórica. La luz se ha creado para proporcionar dramatismo, puede ser dura y poco favorecedora con anteojeras oscuras y sombras severas. Sin embargo, cambiar eso sería una afrenta a su trabajo. Lo siguiente es cómo conservo su visión dramática.
Comencemos con la configuración de la cámara. Prefiero disparar manualmente tanto para la apertura como para la velocidad de obturación dejando mi ISO en automático . La medición está configurada en el centro ponderado : creo que es más precisa y es menos probable que se deje engañar por áreas y fondos oscuros, pero aún así encuentro que la mayoría de las tomas requerirán una fuerte compensación de exposición negativa para evitar que los reflejos se apaguen. Los sujetos suelen estar estáticos para estas tomas, por lo que una velocidad de obturación de 1/60 a 1/125 de segundo con una lente con imagen estabilizada es buena.
Una apertura f/4.5-f/5 con la Nikon D500 proporciona suficiente profundidad de campo. Eso está sujeto a cambios, por supuesto, según la imagen. Descubrí que la diferencia entre disparar con una cámara de fotograma completo y un sensor de recorte es discutible con la equivalencia de profundidad de campo de una apertura más grande en la cámara del sensor de recorte que compensa la diferencia. El objetivo predominante utilizado es el Nikon 16-80mm f/2.8-f/4E VR .
Conservar el aspecto único de la luz del teatro implica un poco de actitud de no intervención. El balance de blancos se configura con una configuración de balance de blancos personalizada usando un ExpoDisc 2 con un azul n.º 2 agregado para mantener los tonos de piel un poco más cálidos para la fuente de iluminación principal, que es una luz de base de tungsteno con un gel de rubor. También tomo una imagen de mi comprobador de color X-Rite como referencia más adelante si es necesario. Recuerde que el color agregado para la actuación es clave para su visión, por lo que no queremos cambiar eso. La exposición en la imagen final debe reflejar fielmente el estado de ánimo del conjunto en ese momento, un error muy común es corregirlo. Por último, esto debería ser evidente, ¡sin flash ni luz adicional!
Los artistas son los sujetos principales y quieren ser vistos con la mayor claridad posible. Con eso en mente, la profundidad de campo es importante. Esta es una de las áreas en las que podemos hacer trampa, acercar a los jugadores y más en el mismo plano para permitir que todos los sujetos sean claramente visibles y nítidos. También les pediré que giren ligeramente la cara hacia la cámara para que sean reconocibles. Hay momentos en los que es importante centrarse en un individuo principal y poner a los demás en un segundo plano fuera de foco, pero no a menudo. Se soluciona manteniendo la distancia entre los actores, reduciendo la apertura y aumentando la distancia focal para una menor profundidad de campo.
El posprocesamiento es donde igualamos el campo de juego. Al tener un preajuste de balance de blancos manual, generalmente hay muy poco que cambiaré en la publicación en esa área. La iluminación dramática y desigual, por otro lado, puede ser varias paradas diferentes a lo largo de la escena y, aunque no quiero cambiar demasiado el aspecto, todavía quiero poder revelar a los actores en las áreas de sombra. Aquí es donde podemos hacer trampa de nuevo. En estos casos, confío en el filtro de degradado o el pincel de ajuste en Lightroom para alterar la diferencia de brillo a un nivel plausible.
Los primeros planos se realizan con una sola configuración de luz, un Paul C Buff Einstein en una caja de luz (aquí no hay iluminación de cine, simple y favorecedor) con un fondo emergente. Se realizan pequeños ajustes globales, viñeteado y ligeros retoques. Se hacen duplicados de todas las imágenes necesarias para la exhibición promocional y se convierten a blanco y negro con Photoshop a través de una acción de mezclador de canales que hice que funciona bien con los tonos de piel. Esto se modifica según sea necesario para adaptarse a las diversas cualidades tonales faciales.
Con un plazo de entrega ajustado de dos días, prefiero imprimir las imágenes yo mismo. Las impresiones de 8×10 de las imágenes promocionales en blanco y negro se realizan a través de Lightroom en una Epson P800 utilizando papel brillante Red River. Las imágenes también se cargan en una galería para que los artistas las vean y las descarguen.
Con suerte, esto ayudará a algunos de ustedes a mejorar sus tomas de teatro o incluso de salas de conciertos. Los disparos en vivo pueden requerir velocidades de obturación un poco más rápidas, pero la base aún se aplica. Espero que hayas disfrutado este artículo e intentaré responder cualquier pregunta que puedas tener en la sección de comentarios a continuación.
Esta publicación de invitado fue enviada por Michael Steinbach. Michael ha sido fotógrafo durante 34 años y se especializa en bodas, retratos de personas mayores y familiares, fotografía comercial y corporativa. Puedes consultar más de su trabajo en su sitio web Bach Photography .