Cinco reglas básicas para el posprocesamiento de sus fotos
Fujifilm X-T2 + XF10-24 mm F4 R OIS a 10,5 mm, ISO 200, 1/10, f/7,1
Muchos fotógrafos de nivel principiante e intermedio luchan con el posprocesamiento de sus imágenes, especialmente una vez que pasan de fotografiar JPEG a RAW . Las imágenes inicialmente parecen insípidas, y una vez que comienza la fase de experimentación, pueden comenzar a tener su aspecto "exagerado". Un fotógrafo experimentado puede saber fácilmente si una imagen no se ha posprocesado bien y si se puede mejorar mediante alguna manipulación de la imagen. Esto se debe a que los fotógrafos experimentados han hecho lo suficiente para comprender cómo hacer que las imágenes se vean bien tanto para su propio placer como para el público. En este artículo, compartiré cinco reglas básicas de posprocesamiento con nuestros lectores, que con suerte facilitarán la comprensión de cómo posprocesar correctamente las imágenes.
Fujifilm X100F a 23 mm, ISO 3200, 1/60, f/5,6
Tenga en cuenta que las siguientes "reglas" son similares a otras reglas de fotografía. Lo que significa que solo sirven para guiar a los fotógrafos principiantes, nada más que eso. Hay muchas excepciones a cada una de estas reglas, especialmente una vez que obtienes un poco de experiencia trabajando en tus fotos.
Comience con una imagen sólida
Uno de los mayores errores que cometen muchos fotógrafos principiantes es suponer que una mala foto se puede salvar en el posprocesamiento. Si empiezas con una fotografía mal ejecutada, tendrás una imagen final mal ejecutada, por mucho tiempo que dediques a trabajar en ella. Incluso si eres un mago de Photoshop que puede reemplazar cielos y sujetos en fotografías, no puedes tomar una mala foto y hacer que se vea gloriosa.
La regla número uno del posprocesamiento exitoso es comenzar con una imagen exitosa o al menos parcialmente exitosa que pueda hacer que se vea mejor. Primero, dedique más tiempo a conocer lo que realmente importa en la fotografía, como la luz, el sujeto, la emoción, el estado de ánimo y la composición. A partir de ahí, aplica tus conocimientos de fotografía al proceso de captura de imágenes, con el objetivo de producir fotografías sólidas. Su objetivo final debe ser tratar de sentirse lo más cómodo posible con el proceso de visualización previa , ya que sabrá qué buscar.
NIKON Z 7 + Laowa 10-18 mm, ISO 100, 0,6 s, f/11
Una vez que tenga un montón de imágenes para revisar, puede aplicar el mismo conocimiento para elegir los candidatos adecuados para el procesamiento posterior. Así es, ¡incluso elegir la imagen correcta para posprocesar requiere algo de habilidad!
Esto significa que su objetivo debe ser ser lo más exigente posible durante el proceso de selección de imágenes. Si elige el candidato adecuado para el posprocesamiento, obtener un buen resultado final es relativamente fácil.
NIKON Z 7 + NIKKOR Z 24-70 mm f/4 S a 44 mm, ISO 64, 1/4, f/8,0
Visualice el resultado final
Una vez que tenga un candidato sólido en el que trabajar, el siguiente paso es comprender lo que quiere obtener de él. Esta es un área con la que luchan muchos fotógrafos principiantes, porque a menudo tienen muy poca idea de cómo quieren que se vea su imagen. Esto conduce a los peligros de la experimentación con el posprocesamiento, donde los fotógrafos prueban diferentes métodos y herramientas de posprocesamiento para que sus imágenes se vean mejor. Si bien la experimentación es un ciclo de aprendizaje muy natural, si te encuentras atrapado en esa fase, es hora de salir de ella más temprano que tarde.
X-T2 + XF35mmF2 R WR @ 35mm, ISO 200, 1/350, f/6.4
¿Cómo? Mi recomendación sería estudiar arte y tus fotografías favoritas. ¿Qué hace que una pintura o una fotografía te parezcan atractivas? No pienses en la luz, el sujeto y la composición, ya que son un hecho, pero presta atención a cómo se presenta la imagen en términos de brillo, contraste y colores generales.
También preste atención a cómo se resalta el tema principal de la escena. A veces, los ajustes básicos de exposición y las técnicas de esquivar y quemar pueden ayudar a guiar el ojo y mostrar la esencia del sujeto en una fotografía.
Una vez que sepas qué tipo de “look” disfrutas más en tus obras favoritas, puedes aplicar los mismos conceptos a tus fotografías. Este sería un gran comienzo para ti. Con el tiempo, aprenderás a dejar de replicar el trabajo de otras personas y podrás aplicar tu propio estilo a tus fotografías.
Si aprende a visualizar el resultado final mientras selecciona sus imágenes, podrá elegir mejores candidatos para el posprocesamiento. Está bien si termina eligiendo una o dos fotos de un lote de miles. He estado fotografiando durante muchos años y puedo decirles que todavía tomo un montón de malas imágenes que nunca tocaré. Son los que elijo posprocesar los que realmente importan.
NIKON Z 7 + NIKKOR Z 50mm f/1.8 S @ 50mm, ISO 800, 1/3200, f/ 1.8
Objetivo Provocar Emoción
Una buena fotografía es aquella que puede provocar emociones en el espectador. Si eres capaz de hacer eso, tienes una fotografía exitosa, punto. Pero provocar la emoción de alguien con una imagen no es fácil, especialmente cuando se trata de temas mundanos o fotografiar algo que se sabe que no se conecta directamente con los sentimientos de las personas. Si tiene una fotografía de un niño refugiado que llora en un entorno oscuro, despertar emociones es relativamente fácil en comparación con una fotografía de un pájaro en vuelo, o incluso con un hermoso paisaje.
Sin embargo, hay una cosa que puedes hacer con tus imágenes, que es comunicar tu emoción en el momento en que editaste una fotografía . ¿Cómo haces eso? Yo diría que es la forma en que procesas tus imágenes.
Como artistas, podemos elegir qué mostrar a nuestros espectadores. Si lucha contra la depresión y siente que quiere comunicárselo a su espectador, puede hacer que sus imágenes sean oscuras y sombrías de manera intencional . Si te sientes feliz, también puedes hacerlo haciendo que tu imagen sea brillante y feliz , tal vez incluso colorida. Algunos fotógrafos tienen la habilidad suficiente para hacer algo intermedio, mientras que otros eligen intencionalmente comunicar lo contrario de sus sentimientos. Otros separan sus sentimientos de sus imágenes por completo, a veces por elección.
X-T20 + XC 16-50 mm F3,5-5,6 OIS II a 16,7 mm, ISO 200, 1/6, f/8,0
Cuando miras mis imágenes, probablemente puedas darte cuenta de que disfruto mucho más de lo brillante y colorido que de lo oscuro y sombrío. Creo que tiene que ver con el estado de mi mente cuando edito mis fotografías. A menudo elijo hacerlo cuando estoy de buen humor para el posprocesamiento. Además, incluso podría decir que me gusta el look “brillante y feliz” para animar a mis espectadores y se ha convertido en mi estilo a lo largo de los años.
Sin embargo, eso no significa que quiera mantenerlo así: sé que quiero poder expresar una variedad de emociones a través de mis fotografías, algo que todavía tengo que aprender a hacer. Por ejemplo, me encanta la fotografía en blanco y negro y quiero mejorar en eso. Reconozco que la fotografía en blanco y negro se comunica en un nivel completamente diferente con el espectador en comparación con la fotografía en color.
En contraste, Spencer tiene un estilo de procesamiento posterior muy diferente. Sus imágenes a veces pueden parecer oscuras y lúgubres y, a veces, elige intencionalmente que se vean brillantes y felices. Claramente tiene una gama más amplia de estilos diferentes que elige para sus fotografías. No sé si su estilo de posprocesamiento se ve afectado por su estado de ánimo en el momento de la edición. Te lo dejo a ti para que lo analices.
El punto aquí es que tanto Spencer como yo elegimos intencionalmente una “apariencia” particular para nuestras imágenes. ¡Incluso elegimos candidatos para editar de manera muy diferente! Estoy seguro de que si tanto Spencer como yo nos sentáramos en la misma computadora para realizar el proceso de selección de imágenes, terminaríamos con diferentes candidatos.
NIKON D810 + 70-200 mm f/2,8 a 70 mm, ISO 140, 1/500, f/9,0
Y eso es realmente lo que hace que cada fotografía sea tan única. ¡ Saber que un fotógrafo eligió esa foto intencionalmente para que se vea de esa manera en particular ya nos dice mucho!
¿Cuál es la comida para llevar entonces? Elige una emoción y átala a tu fotografía. Si no sabe por dónde empezar, mi recomendación sería comenzar con Bright and Happy. Es un aspecto más fácil de lograr y es algo con lo que la mayoría de los espectadores se conectarán.
La mirada "brillante y feliz"
Una vez que tenga un buen candidato y elija vincularle la emoción "brillante y feliz", hay algunos pasos simples que puede seguir en el procesamiento posterior para darle rápidamente una apariencia sólida. Tenga en cuenta que la mayoría de las imágenes brillantes y felices tienen mucho brillo y contraste en ellas, para hacer que la imagen general "salte". Esto significa que los dos factores más importantes a los que hay que prestar atención (además de resaltar el sujeto principal) son el brillo y el contraste.
Primero, elija el perfil de cámara que le proporcione un buen comienzo. En Lightroom, puede elegir un "Perfil" de cámara correspondiente para hacer eso. Dependiendo de la cámara con la que tomó la imagen, debería poder pasar por una variedad de opciones diferentes, como "Retrato de cámara", "Estándar de cámara" o "Paisajes de cámara". Cada uno de estos ya está configurado para dar un cierto "aspecto" a sus imágenes con diferentes niveles de brillo, color y contraste. Personalmente, elijo "Estándar de cámara" como predeterminado para la mayoría de las cámaras, pero puede ser demasiado para algunas fotografías, por lo que realmente depende. Si su herramienta de posprocesamiento no le permite elegir entre diferentes perfiles de cámara, continúe con el siguiente paso.
El siguiente paso es evaluar el brillo general de la fotografía e identificar diferentes zonas de brillo. Si tiene una imagen que tiene una gama muy amplia de brillos y sombras, tendrá que trabajar potencialmente con controles deslizantes como "Destacados" y "Sombras" para recuperar algunos detalles. Dado que su objetivo es obtener una fotografía brillante, debe tener cuidado con la forma en que ajusta las luces y las sombras de su fotografía. Por ejemplo, no recuperes demasiado las sombras, ya que no se ve natural y terminarás con una fotografía de aspecto plano.
En tercer lugar, ajuste el control deslizante Exposición para que la imagen sea lo más brillante posible sin apagar nada. La última parte es importante, porque no querrás terminar con partes demasiado brillantes de la foto que no puedas recuperar. Aquí es donde es posible que deba alternar entre los controles deslizantes Destacados y Exposición para descubrir la mejor combinación.
Ahora está listo para aumentar el contraste de la imagen. En Lightroom, puede hacerlo de varias maneras, pero las tres formas más comunes son usar el control deslizante "Contraste", los controles deslizantes "Blancos" y "Negros" juntos, y la "Curva de tono". Personalmente, rara vez uso el control deslizante "Contraste", porque no me gusta ajustar el contraste con una sola configuración. Es por eso que mi preferencia personal es comenzar con los controles deslizantes "Blancos" y "Negros".
La idea es empujar los blancos tanto como sea posible para iluminar las partes brillantes de la imagen, luego empujar los negros hacia abajo para aumentar el contraste general. Una vez que haga eso, notará que la imagen general se volvió significativamente más brillante, lo que podría hacerla demasiado brillante, especialmente en configuraciones de blancos más altas. En algunos casos, es posible que deba volver atrás y reajustar el control deslizante de Exposición y bajar el tono.
Aquí hay un ejemplo extremo de tales ajustes en Lightroom:
Como puede ver, presioné los controles deslizantes Blancos y Negros en "+60" y "-60", lo cual es un poco extremo y rara vez presiono estos dos controles deslizantes tan lejos. Sin embargo, comencé con una imagen que tenía muy poco contraste al principio, así que sabía que necesitaba empujar a los dos un poco para que la imagen resaltara. Aunque inicialmente comencé con el control deslizante Exposición en cero (la imagen ya era lo suficientemente brillante), tuve que bajar el tono a un tercio de parada después de ajustar el control deslizante Blancos.
Para comprender lo que estos ajustes le hicieron a mi fotografía, eche un vistazo al "Antes y después" a continuación:
Como puede ver, es una diferencia bastante drástica entre las dos imágenes. Normalmente, no empujo los controles deslizantes de blancos y negros más allá de 30-40, pero cada imagen es diferente y en este caso me dio el resultado que estaba buscando.
Así es como se ve la imagen después de los ajustes finales a la imagen (haga clic para ver una versión más grande):
NIKON Z 6 + NIKKOR Z 24-70 mm f/4 S @ 36 mm, ISO 100, 1/500, f/5.6
Aunque la "Curva de tono" también puede ser bastante útil para ajustar el contraste, es un poco confuso de usar para muchos fotógrafos. Personalmente, lo uso en algunas imágenes si necesito ajustar aún más el contraste, pero no con demasiada frecuencia.
El look “oscuro y sombrío”
Si bien lograr que una imagen se vea brillante y contrastada es fácil, lograr un aspecto "oscuro y sombrío" es mucho más difícil en el posprocesamiento debido a muchos factores diferentes. En primer lugar, depende en gran medida de la imagen con la que comience. Si tiene una fotografía brillante y colorida, deberá atenuarla un poco.
Si desea conservar los colores, probablemente deba empujarlo hacia los azules en lugar de los naranjas al ajustar el balance de blancos. Es posible que deba reducir el contraste y potencialmente llevar algunas de las configuraciones al extremo. En muchos casos, es posible que deba convertir la imagen a blanco y negro o reducir significativamente los colores para obtener ese aspecto "espeluznante".
Aquí hay una imagen que procesé posteriormente en Lightroom como ejemplo de un aspecto "oscuro y sombrío":
Fujifilm X-H1 + XF10-24 mm F4 R OIS a 10 mm, ISO 200, 0,8 s, f/5,6
Observe cuán diferente se ve la imagen en comparación con la mayoría de las otras imágenes en este artículo. Las estructuras extraterrestres en primer plano hacen que parezca que estoy en otro planeta. Las nubes oscuras y tormentosas en el fondo abruman la parte más brillante del cielo, lo que indica que se avecina una tormenta. Básicamente, todo el paisaje parece estar... muerto. Creo que puede estar de acuerdo en que esta imagen simplemente no es la candidata adecuada para una apariencia "brillante y feliz".
Para que se viera de esta manera, oscurecí la foto aún más (aunque comencé con una imagen bastante oscura), ajusté el balance de blancos hacia los azules, reduje los reflejos a -100, agregué algunas sombras (+30) y agregué algo de textura y claridad. . Para resaltar un poco las estructuras de primer plano, las esquivé y las quemé con una configuración de exposición de 0.4. Finalmente, para hacer que el cielo sea más intenso, agregué un filtro degradado que reduce la exposición y aumenta el contraste y la claridad.
No existe una fórmula mágica para el aspecto "oscuro y sombrío", por lo que deberá experimentar un poco hasta lograr el resultado deseado. Lo mismo ocurre con tratar de lograr algo intermedio o convertir una imagen a blanco y negro. Spencer escribió una muy buena guía de fotografía en blanco y negro , así que te recomiendo que le eches un vistazo.
Enfatice su tema principal
Al mirar las fotografías más exitosas, notará que la mayoría de ellas contienen uno o más temas importantes a los que el fotógrafo quiere que el espectador preste atención. La mayoría de los fotógrafos solo presentarán un sujeto principal y tendrán otros sujetos secundarios o incluso terciarios para apoyar al sujeto principal. Una fotografía rara vez puede tener éxito sin un tema, aunque puede haber excepciones a esto.
El objetivo de resaltar el sujeto es guiar el ojo del espectador hacia la parte más importante de la imagen. A veces puede hacerlo usando guías visuales en su composición, y otras veces puede hacerlo utilizando técnicas específicas de procesamiento posterior como esquivar y quemar. Aunque su objetivo como fotógrafo es tratar de usar una luz hermosa para resaltar su sujeto al momento de capturar la imagen, puede que no sea suficiente para mostrar realmente su sujeto. Y aquí es donde entra en juego el posprocesamiento.
Entonces, ¿cómo resaltas tu tema? La respuesta tiene que ver con el brillo del sujeto . Haga que el sujeto sea lo suficientemente brillante en relación con el fondo y otros sujetos de la escena, y lo hará más prominente. Para hacer eso, comience evaluando el brillo general de su sujeto. ¿Es lo suficientemente brillante como para que ya se destaque del resto de la escena? Si la respuesta es "sí", es posible que no necesite que se vea más brillante. Si la respuesta es "no" o "tal vez", entonces debe ajustar su brillo y ver si ayuda a que el sujeto se destaque.
NIKON Z 7 + NIKKOR Z 24-70 mm f/4 S a 36 mm, ISO 64, 2,5 s, f/8,0
Realizar "sobreexponer y quemar" en Lightroom, Capture One y la mayoría de los otros programas es bastante fácil. Simplemente elija un pincel con una configuración de Exposición diferente y comience a pintar partes de la imagen. En Lightroom, hay varias formas de esquivar y quemar. Puede usar el Pincel de ajuste, el Filtro radial e incluso el Filtro graduado para resaltar o disminuir partes de la fotografía. Personalmente, prefiero usar el Pincel de ajuste en la mayoría de los casos, pero si necesito aplicar un ajuste rápido, el Filtro radial hace el trabajo bastante bien.
Si usa Capture One, le encantarán los ajustes locales incorporados que puede colocar uno encima del otro. La mejor parte es que prácticamente no hay retraso al hacerlo en comparación con Lightroom y otro software de posprocesamiento.
Aquí hay una imagen donde esquivé la cara del alfarero de Uzbekistán para resaltarla más, ya que estaba demasiado oscura en la foto original:
Fujifilm GFX 50R + GF110mmF2 R LM WR @ 110mm, ISO 400, 1/160, f/2.0
Y aquí hay otra imagen de Uzbekistán, donde esquivé y quemé diferentes partes de la antigua ciudad que estaban demasiado oscuras o demasiado brillantes:
Fujifilm GFX 50R + GF110mmF2 R LM WR @ 110mm, ISO 100, 1/6, f/8.0
Con la mezquita y su minarete en la distancia como mi tema principal, me aseguré de resaltarlo un poco en relación con el primer plano y otros elementos circundantes.
No sobreprocesar
Por último, ¡no procese en exceso! Con todas las excelentes herramientas de posprocesamiento que tenemos hoy en día, es fácil dejarse llevar. Personalmente, rara vez toco los controles deslizantes Saturación e Intensidad en Lightroom, porque pueden hacer que las imágenes se vean demasiado saturadas rápidamente. Lo mismo ocurre con los controles deslizantes de Nitidez, Textura, Claridad y Dehaze que pueden infligir bastante daño si no se usan correctamente. Debe tener cuidado incluso cuando recupere las luces y las sombras, ya que empujar demasiado esos dos en direcciones opuestas hará que sus imágenes se vean demasiado planas.
NIKON Z 6 + NIKKOR Z 24-70 mm f/4 S a 25,5 mm, ISO 100, 1 s, f/11,0
Lo mismo ocurre con HDR y otras herramientas y técnicas. Intente que sus imágenes se vean lo más naturales posible sin que se vean demasiado abrumadoras. Tenga en cuenta que el color también afecta el contraste y que puede apagar los canales de color fácilmente si no tiene cuidado.
Espero que hayas encontrado útil este artículo. Si tiene alguna pregunta o inquietud, ¡hágamelo saber en la sección de comentarios a continuación!