7 grandes documentales fotográficos con un mensaje

Mi esposa y yo estuvimos recientemente viendo un documental sobre dos fotógrafos colaborando en un proyecto fascinante.  Me hizo pensar en otros documentales sobre fotógrafos y fotografía.  ¿Cuáles te dan más que una biografía del artista?  ¿Cuáles plantean preguntas interesantes sobre la vida, las relaciones y nuestro propósito en este planeta?  ¿Cuáles plantean grandes ideas y desafían el pensamiento del espectador?

Me propuse encontrar películas que cumplieran con estos criterios, que se hubieran hecho en la última década y que fueran accesibles, es decir, que estuvieran disponibles en Netflix, Amazon Prime, Hulu, YouTube, iTunes o similares.

Aquí está mi lista, sin ningún orden en particular, y mis razones para incluir cada una de ellas.

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Encontrar a Vivian Maier (2013)

Esta es una fascinante historia de un tesoro de fotos encontradas en un armario de almacenamiento y un fotógrafo desconocido pero con un talento inmenso. Fue nominado para el Premio de la Academia al Mejor Documental en los Premios de la Academia 2014.

En 2007, una subasta del contenido de un armario de almacenamiento no reclamado en Chicago dio lugar a una colección de aproximadamente 30.000 fotografías y negativos.  John Maloof, que compró las cajas de fotos, se preguntó quién las tomó y se puso a buscar la identidad del fotógrafo.  La película traza su búsqueda y lo que aprendió sobre este misterioso artista.  En el proceso, localizó y compró otras 70.000 imágenes y muchas de las posesiones de Vivian Maier.

Maier, que murió en 2009, fue niñera de una variedad de familias de Chicago desde los años 50 hasta los años 70.  Siempre parecía tener una cámara, pero casi nunca le mostraba a nadie su trabajo.  Era una fotógrafa de la calle, con un ojo fabuloso para la composición y los detalles.  Cuando Maloof comenzó a publicar sus fotos en línea, atrajeron un enorme interés.

A medida que aprendió más sobre Maier, Maloof entrevistó a personas que, cuando era niña, ella cuidaba.  Algunos la describen como una especie de Mary Poppins personaje que los llevó a paseos que fueron grandes aventuras. Otros tenían recuerdos menos favorables.  Hay sugerencias de que tenía un lado más oscuro, un mal genio, tal vez que algo estaba mal con ella, mentalmente.

Maier fue y siguió siendo hasta el final una persona muy privada.  Incluso usó nombres falsos cuando dejó la película para procesarla.  No sabemos lo que ella pensaba de sí misma, excepto como se revela en algunas de las fotos en las que aparece (sobre todo como reflejos y sombras).  Es difícil entender por qué, con su aparente amor y talento para la fotografía, nunca hizo nada con ella.  No hay espectáculos, no hay exposiciones y muy poca gente vio sus fotos.  ¿Por qué siguió siendo niñera?  ¿Hay alguna conexión en la vida ordinaria de una niñera (aunque sea con el ojo de un gran artista) y las extraordinarias imágenes de lo ordinario que captó con su fotografía callejera?

¿Cómo separar a la artista de su arte?  ¿Uno informa o dicta al otro?  ¿Hasta qué punto Maier y sus opciones se vieron influenciadas por las actitudes predominantes hacia las mujeres durante su época?  ¿Hasta qué punto nuestra comprensión y aprecio por ella se ve influenciada por la de nuestro tiempo?

 

Caras Lugares ( Visages, villages ) (2017)

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Faces Places Places es la película que inspiró este artículo.  Es una película francesa sobre una colaboración entre Agnes Varda y JR.  Varda es una bola de fuego de 89 años de edad: fotógrafa, directora y una de las principales figuras del cine francés de la Nueva Ola.  JR es un fotógrafo, artista callejero y muralista de 33 años.  Esta película les muestra viajando por los caminos de Francia, visitando pequeños pueblos, puertos, granjas y antiguas áreas industriales en las que exploran la gente, la historia y la cultura que hicieron a cada uno diferente.  Las exposiciones fotográficas que producen son llamativas, encantadoras y sorprendentes.  En cierto modo, monumentan lo ordinario.  Hay que verlos para apreciarlos!

Faces Places Places utiliza el medio de la fotografía para explorar a la gente común y corriente, viviendo la vida cotidiana, en lugares discretos.  A través de la lente, empezamos a entender a estas personas, desde las esposas de los estibadores hasta los granjeros y las camareras.  La cámara saca a relucir la dignidad y el sentido de su trabajo y de su vida.  Sin embargo, las fotos y el arte son efímeros.  Se desvanecerán con el tiempo, al igual que las aldeas y las fábricas se desvanecerán y se desmoronarán a medida que el mundo a su alrededor cambie.  En cierto modo, la película y las fotografías están grabando y reflexionando sobre el paso del tiempo y los cambios en las formas de vida.

Vivimos en una época obsesionada con la celebridad y la fama, con el poder leonístico y la fortuna.  Una cultura de Facebook e Instagram que pone una atención fugaz en el aquí y ahora.  Un pueblo apasionado por las imágenes de los lugares y rostros más bellos.  Faces Places Places mira con sensibilidad lo ordinario, lo plebeyo, y nos recuerda la belleza y bondad de lo común.

Los ojos del espectador se abren a una nueva forma de ver y apreciar la belleza de lo familiar y lo común, ya sea gente o paisajes.  Usted nunca se acercará a una sesión de retratos de la misma manera.

Faces Places ganó el premio Golden Eye Documentary de Cannes en 2017 y fue nominado para el Academy Award for Best Documentary Feature en el 90º Academy Awards a principios de este año.

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Annie Liebovitz:  La vida a través de un lente (2008)

Originalmente transmitida por PBS American Masters, la película nos lleva a través de la vida y el desarrollo de Liebovitz como artista.  Escrito y dirigido por la hermana menor de Annie, Barbara, es una mirada inusualmente íntima a cómo una joven sin experiencia e ingenua que se abrió camino en una tarea de fotografía en la revista Rolling Stone terminó convirtiéndose en una fotógrafa de celebridades cuyo trabajo es instantáneamente reconocible.

Al ver el documental, usted obtiene muchas ideas sobre el proceso de pensamiento de Liebovitz mientras compone una fotografía.  Estos son interesantes y valiosos para los aspirantes a fotógrafos, pero lo que los diferencia de algunos documentales biográficos es la tensión constante entre ser parte de la historia y presentarla; entre fotografiar a las celebridades y crear su imagen pública versus ser una celebridad, ella misma.

En sus primeros años como fotógrafa profesional para la revista Rolling Stone, viajó con los Rolling Stones y sucumbió a algunas de las tentaciones de la banda de rock.  ¿Estaba informando sobre la banda y su estilo de vida o siendo consumida por ella?  ¿Cómo se separan los dos?  ¿Su reportaje era diferente al de Hunter S. Thompson?

Más tarde, se traslada a Vanity Fair y a los retratos de celebridades por los que es más conocida.  Comienza una relación con Susan Sontag, quien la impulsa a crear algo más de lo que ha sido y a hacer arte lo que importa.  Y ella misma se convierte en una celebridad.

A través de sus propias reflexiones, uno se hace una idea de cómo Liebovitz trata de equilibrar los variados papeles de fotógrafo, celebridad, madre y, mientras Sontag vivía, cónyuge.  Es una cuerda floja difícil de caminar.

¿Dónde está la línea entre su trabajo y quién es usted, si tal línea existe realmente?  ¿Qué lado influye en el otro o no hay separación alguna?  ¿Cómo afecta quién eres a lo que ves a través del visor, cómo te acercas al sujeto, la amplitud de tu visión?  ¿Qué anteojeras te pone eso y qué posibilidades no tienes de que veas en tu tema o la forma en que lo interpretes?  ¿Qué te está haciendo la fotografía?

En un mundo ideal, nuestra fotografía nos abriría los ojos para reconocer y apreciar la belleza de la luz que cambia rápidamente, de los variados elementos de la naturaleza, el clima, las personas y las cosas.  En realidad, estamos condicionados por nuestro pasado para poder ver sólo de ciertas maneras y no reconocer las posibilidades artísticas en lo desconocido.  Seguimos volviendo a métodos probados y verdaderos, poses, iluminación y composición.  Nos olvidamos de mantener los ojos y la mente abiertos.

Captura de pantalla de La maleta mexicana

La maleta mexicana (2011)

La maleta mexicana no es ni una maleta ni es mexicana.  Es, sin embargo, una historia de detectives, una investigación histórica y un viaje fotográfico.

Robert Capa fue un conocido fotógrafo que, junto con Gerda Taro y David "Chim" Seymour, cubrió la Guerra Civil Española (1936-39).  Probablemente has visto la famosa foto de Capa de un soldado en el momento en que le dispararon.  Y tal vez lo conozcas por su observación citada a menudo: "Si tus fotografías no son lo suficientemente buenas, no estás lo suficientemente cerca".

Capa pasó a cubrir la Segunda Guerra Mundial, la fundación de Israel y la guerra de Indochina francesa, donde fue asesinado en 1954.  Fue uno de los cofundadores de Magnum Photos.  Algunos lo consideran el mejor fotógrafo de guerra de todos los tiempos.  Taro murió durante la Guerra Civil Española y Chim fue asesinado en Suez en 1956.

Durante la Segunda Guerra Mundial, cuando el ejército alemán invadió Francia y se acercó a París, el encargado del cuarto oscuro de Capa empacó todos los negativos de la Guerra Civil española y los sacó del país para su custodia, momento en el cual los negativos desaparecieron y se consideraron perdidos.

En 2007, los negativos aparecieron en México:  4.500 negativos en tres cajas.  El documental cuenta la fascinante historia de las fotos y su viaje, así como las historias de Capa, Taro y Chim.  Verás muchas de las fantásticas fotos de Capra y sus amigos.

Dos cosas distinguen a este documental.

Primero, es una historia de memoria colectiva.  Durante las décadas en las que Francisco Franco gobernó España, no se hablaba de la Guerra Civil.  Incluso después de la muerte de Franco, la gente rehusó hablar de la guerra y de las atrocidades cometidas durante el conflicto.  El descubrimiento y la publicación de las imágenes de la "Maleta Mexicana" coincidió y contribuyó a la revalorización de la guerra y sus secuelas.  Las fotos sacaron recuerdos reprimidos y ocultos durante años.

La fotografía tiene una capacidad fascinante para iluminar el pasado, para ser algo más que una simple grabación de un momento congelado en el tiempo.  En cambio, una fotografía puede inmortalizar ese momento e impregnarlo con el poder de despertar recuerdos e imaginación, estimular la discusión y la reflexión, abrir heridas o curarlas.  Y, a veces, una fotografía puede hacer todo a la vez.

Segundo, el viaje de la maleta mexicana es paralelo a la historia de una gran migración.  Casi medio millón de personas huyeron de España cuando el gobierno republicano se derrumbó y los fascistas franquistas tomaron el control.  La mayoría fueron a Francia y fueron retenidos en escuálidos campos de refugiados, pero decenas de miles fueron a México.  Es una historia que no solemos escuchar en las clases de historia en la escuela, pero que contiene sabiduría y precauciones para hoy.

En 1939, la mayoría de las naciones europeas no estaban particularmente interesadas en acoger a personas que huían de España, por lo que los refugiados se sentaban en campos de internamiento en Francia.  México abrió sus puertas a los españoles, en parte debido a una afinidad cultural y lingüística compartida.  Hoy, Europa se encuentra de nuevo en una crisis de refugiados. Las personas que huyen de las guerras y de las dificultades económicas en Siria y África, de diferentes culturas, idiomas, razas y religiones, no son bienvenidas.  Los EE.UU. también están enredados por los problemas de inmigración.

Las fotografías de la maleta y su viaje también pueden dar lugar a una mirada más profunda y reveladora sobre quiénes somos y quiénes aspiramos a ser.

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  McCullin (2012)

Don McCullin puede ser el mejor fotógrafo de guerra de finales del siglo XX.  La fotografía se convirtió en su billete para salir de una parte áspera y violenta de Londres.  Sus imágenes de los jóvenes duros de las bandas callejeras londinenses le llevaron a sus primeros trabajos como fotógrafo y, tal vez, le ayuden a explicar su atracción por la documentación de conflictos.

Sus imágenes son poderosas.  Pueden ser sangrientos o angelicales. Están bellamente compuestas, aunque el tema sea espeluznante.  Provocan reacciones emocionales.

Como fotoperiodista, fue a cualquier lugar donde se librara la guerra.  En el proceso, prosperó con la adrenalina de las situaciones de combate y de las decisiones de vida o muerte.  Milagrosamente sobrevivió pero, con el paso de los años, comenzó a cuestionar algunos de sus comportamientos.  Y esas preguntas se aplican a los fotógrafos y fotoperiodistas de hoy en día.

• ¿Es usted un voyeur o un participante? ¿Estás mirando la vida de otra persona como si fuera el omnisciente observador de una novela?  ¿Su presencia allí está afectando la historia?
• ¿Estás documentando o legitimando? Si estás fotografiando una atrocidad o una simple pelea callejera, ¿simplemente estás grabando lo que está sucediendo o tu acto fotográfico los alienta?  Al documentar conductas y actos horribles, ¿está legitimando de alguna manera esas acciones a los ojos de los perpetradores?
• ¿Está documentando un atentado o debería intervenir para detenerlo? ¿Fotografías a una anciana cojeando y luchando para huir del peligro o dejas caer tu cámara y pones tu brazo alrededor de ella para ayudarla a escapar?
• Al tomar una foto, ¿cuál es el equilibrio entre el arte de la imagen y el terror que debe transmitir? ¿De verdad puedes hacer ambas cosas?

No sé si McCullin alguna vez lo decida.  Pero es obvio que, a medida que envejece, reflexiona más sobre estas cuestiones y le preocupa más lo que ha experimentado.  En un segmento revelador, dice que "hasta mi cuarto oscuro está embrujado".

La mayoría de nosotros no nos convertiremos en fotógrafos de guerra, pero podemos ocurrir en una pelea, o en un accidente de tráfico, o en un incendio, o en un dilema ético.  ¿Qué haremos entonces?

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Persiguiendo hielo (2012)

Lo que Ansel Adams hizo por la conservación y los parques nacionales, James Balog puede estar haciendo por el cambio climático.  Balog y su equipo están mostrando el retroceso de los glaciares en Islandia, Groenlandia y los Estados Unidos, a lo largo de los años, en películas dramáticas sobre el tiempo.

Originalmente transmitido como un documental de National Geographic, Chasing Ice ganó el Premio Emmy 2014 por la Programación Sobresaliente de la Naturaleza, y es fácil ver por qué.  Las fotografías y la videografía son impresionantes.  Las fotos de Balog de icebergs, cuevas de hielo y glaciares son impresionantes y, cualquiera que sea su opinión sobre el cambio climático, hacen que la película valga la pena.

Y las pruebas y tribulaciones de la creación de un sistema, desde cero, para la fotografía desatendida de lapso de tiempo en entornos difíciles son fascinantes.  Balog y su equipo colocaron cámaras en terrenos muy inhóspitos y tuvieron más que su parte de contratiempos, desde cámaras destruidas por la caída de rocas, hasta fallos de software, averías y la cirugía de rodilla de Balog.  Al final, la evidencia fotográfica que recopilan muestra evidencia convincente de cambios dramáticos en los glaciares que no auguran nada bueno para la tierra.

Como bono visual, el equipo grabó dos enormes icebergs que parían en el océano.  Espectacular!

Balog fue entrenado como científico, pero no quería pasar su tiempo en un laboratorio.  En lugar de ello, aportó sus conocimientos científicos al campo y lo combinó con su amor por la fotografía para documentar visualmente un aspecto del cambio climático de una manera científica.

La película espera estimular las conversaciones sobre el cambio climático y el papel y la responsabilidad del hombre en él.  En una escena, Balog piensa en el futuro, con la generación de sus hijos enfrentándose a los efectos potencialmente calamitosos del cambio climático y preguntándose "¿Por qué no hiciste algo al respecto cuando pudiste?  Su respuesta es esta película.

Usted no tiene que ser un fotógrafo de conservación para traer su conocimiento y experiencia a su fotografía.  Puedes hacer fotos bonitas o componer imágenes que signifiquen algo. En veinte años, ¿significarán algo tus fotos?

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Bill Cunningham Nueva York (2010)

Después de ver tanto en serio, necesitarás una golosina.  Para ello recomiendo Bill Cunningham Nueva York .  El difunto fotógrafo del New York Times tenía más de 80 años cuando se hizo esta película.  Durante décadas, sus ensayos fotográficos "On the Street" y "Evening Hours" en el Times describieron la moda y las personalidades neoyorquinas como ninguna otra cosa.  Cunningham era un personaje estrafalario y adorable, completamente dedicado a su trabajo, quizás consumido por él.  En casa, en las calles y en los salones, Cunningham era una figura querida con un impresionante cuerpo de trabajo.

Es fascinante oírle describir lo que está buscando mientras está filmando o en su proceso de pensamiento editorial.

Vivía solo, pero no estaba solo.  No tenía muchas posesiones, ni ropa elegante, ni un apartamento grande.  Pero tenía todo lo que necesitaba en las fiestas, calles y personalidades de Nueva York.

Es un perfil divertido y absorbente de un fotógrafo inusual e inolvidable.

¿Cuál es tu documental fotográfico favorito y por qué?